Peinture et photographie: l’histoire d’une liaison

© Editions Flammarion, 2020

La date de naissance de 1839, correspondant à l’annonce par Arago du procédé mis au point par Daguerre, reste un sujet de controverse parmi les historiens de la photographie. Les défenseurs de Niepce et autres contemporains (Talbot, Bayard) ont certes des arguments à faire valoir en faveur des inventeurs des procédés sur papier. C’est dans cette époque passionnante, quand la photographie fut d’abord perçue comme une création relevant des sciences et de la mécanique, que nous plonge un ouvrage de référence, réédité et mis à jour aux Editions Flammarion (*). Son auteure, Dominique de Font-Réaux, conservatrice générale au musée du Louvre nous explique, depuis la naissance et la réception de la photographie, les liens complexes que tisseront photographie et peinture tout au long de ce XIXè siècle dont bon nombre d’historiens conviennent qu’il s’acheva réellement à la veille de la Première Guerre mondiale.

Si le daguerréotype ne pouvait, à la différence des procédés sur papier, se multiplier au départ d’une seule matrice, sa destination était l’exposition, ce qui renforçait son lien avec la peinture. La photographie hérita également de l’esthétique picturale de cette époque et s’inscrivit naturellement dans ses traces par la valorisation du regard de l’opérateur déterminant le cadre. En 1859, Baudelaire, ami et modèle de Nadar, ne dénie pas à la photographie ses ambitions artistiques mais il fustige l’assimilation de l’art au seul mimétisme. La crainte de voir la peinture supplantée, dans le registre de l’imitation tout au moins, libéra finalement les peintres, lesquels n’étaient plus tenus à la ressemblance. L’ouvrage raconte ainsi comment la photographie, en lieu et place de ou en opposition avec la peinture, s’imposa comme un art, nouveau mais héritier du passé tout à la fois.

Honoré de Balzac, photographie retouchée par Nadar à partir du daguerréotype de Bisson Date : ca 1890
Domaine public

Entre création picturale et photographique se forgent alors des interactions fondées sur l’échange des sujets et modèles, donnant naissance à de nouveaux codes de la représentation du réel. Les efforts de Le Gray pour figurer le ciel et le déroulé des vagues fourniront par exemple au peintre Courbet les motifs de ses représentations de la côte normande. A l’inverse, Nadar emprunta à Ingres ses fonds unis et les attitudes de ses portraits. En témoignent notamment les attitudes destinées à traduire la personnalité ou la vérité du modèle dans ses portraits de Berlioz ou de Baudelaire. Le portrait photographié induit par ailleurs dès 1860 un renouvellement pictural du genre, tandis que Julia Margaret Cameron utilise le flou pour livrer des portraits photographiques d’une grande qualité allient l’intime et l’esthétique.

S’appuyant sur une érudition puisée aux recherches effectuées par les institutions muséales et académiques, Dominique de Font-Réaux nous entraîne dans ces échanges entre peinture et photographie au travers du paysage, du portrait, de la nature morte, de la représentation de la vie quotidienne (« le genre ») ou encore du nu et des études d’après nature, dans lesquelles la photographie dispense le peintre de copier sur le terrain tout en lui offrant le choix du point de vue. Les collections d’artistes permettent de mieux comprendre ce rapport: témoin ce fonds de 3000 épreuves ayant appartenu au peintre Henri Fantin-Latour. La connaissance de la pratique artistique de ce temps s’enrichit de la sorte en montrant les secrets de fabrication des images peintes.

A travers des exemples non exhaustifs et des (re)découvertes récentes dans les fonds des artistes ou de leurs héritiers se révèle l’apport de la photographie dans des oeuvres majeures telles celles de Degas, qui s’y intéressa de très près au milieu des années 1890. L’ouvrage montre également la part et l’importance de la photographie dans l’oeuvre de Mucha, Derain, Vuillard ou du merveilleux Paul Bonnard, éclairant l’oeuvre du peintre en mettant le doigt sur ce qui, au delà de la similitude des thèmes, unit photographie et peinture dans une même grâce et une même approche du quotidien.

Marthe, debout à côté d’une chaise
Pierre Bonnard. 1900 ou 1901.
Public Domain

Si ces échanges à double sens entre peinture et photographie furent parfois tortueux, ils furent assurément féconds et le champ de recherches est loin d’être épuisé. L’auteure admet avoir réservé une large place à la France tout en évoquant d’autres pays dans cet ouvrage très soigné, judicieusement et agréablement mis en pages. Un voyage culturel dont on sort convaincu que les pratiques artistiques s’enrichissent mutuellement et que la photographie permit aux peintres de « développer un regard neuf sur le monde », même s’ils ont souvent négligé de l’inclure dans leurs expositions et leurs présentations. Comme une maîtresse cachée mais non moins chérie sans doute.

(*) Peinture et photographie. Les enjeux d’une rencontre, 1839-1914. Dominique de Font-Réaulx  Nouvelle édition mise à jour. Editions Flammarion. 336 pages – 201 x 256 mm. Couleur – Broché

Philippe Halsman, photographe sautillant pour RSF

Né à Riga (Lettonie) en 1906 et mort à New York en 1979, Philippe Halsman fut une figure majeure de Magnum Photos. Il nous a laissé une formidable galerie de portraits iconiques, d’où émane une joie de vivre jubilatoire. Un album de ses photographies vient de sortir de presse, publié par Reporters Sans Frontières dans la nouvelle formule d’une collection en tous points recommandable pour les amoureux de l’image comme pour quiconque est soucieux de défendre la liberté d’informer.

© New York, Etats-Unis, 1959. Marilyn Monroe avec Philippe Halsman. © Philippe Halsman

Halsman, dont la biographie retracée dans l’album est émaillée de pérégrinations qui furent parfois dramatiques, révèle ses qualités de portraitiste au début des années ’30. Il travaille pour Vogue, Voilà et Vu, possède un studio à Montparnasse et saisit sur sa pellicule écrivains et artistes dans le Paris de l’entre-deux-guerres. Contraint de fuir devant l’Occupation, il émigre à New York et s’adapte très vite aux codes d’un pays dont il ne connaissait pas la langue. Il est approché en 1942 par Life, qui lui confiera au total l’illustration de plus de 100 couvertures. Halsman participe ainsi à l’émergence du star system et à l’âge d’or de la presse illustrée. Son oeil tantôt malicieux et tantôt admiratif saisira pendant des dizaines d’années d’innombrables personnalités.

Ce qui distinguera Halsman de ses pairs et le fera entrer dans la légende, ce sont ses « jumpologies ». Porté vers la mise en scène de ses photographies, notre homme est un grand facétieux. A la fin d’une séance, il demande au modèle de sauter à la verticale et déclenche alors à vitesse très rapide. Dans ces instantanés suspendus éclate une merveilleuse euphorie, comme sur la couverture de cet album RSF. Soucieuse de contrôler son image, Marilyn Monroe renâclait quelque peu au début devant l’exercice proposé. Pour la convaincre, Halsman saute alors avec elle en lui tenant la main. Marilyn reprendra volontiers ce qu’on n’ose qualifier de pose pour des images qui compteront parmi les plus heureuses de son iconographie.

Marilyn Monroe, American actress. USA. New York City. 1959. © Philippe Halsman

Bien d’autres célébrités se prêteront au jeu comme Brigitte Bardot ou Audrey Hepburn mais aussi des figures perçues comme très sérieuses tels le Duc et la Duchesse de Windsor, entendez l’ex-Roi d’Angleterre Edward VIII et son épouse Wallis Simpson, par qui le scandale arriva. Ces deux-là sauteront même en duo et en solo. Les écrivains François Mauriac et Romain Gary, d’un naturel généralement moins léger, ne sont pas en reste. Ce portfolio d’Halsman donne donc à voir toutes ces personnalités sous un jour très différent de leur image habituelle : Alfred Einstein prend des airs de chien battu (il se désole en vérité de l’utilisation de ses découvertes), le futur Président des Etats-Unis Dwight Eisenhower éclate de rire avec ses frères, et Richard Nixon, un de ses successeurs généralement portraituré les mâchoires serrées, joue ici du piano en bras de chemise et d’un air inspiré.

USA. New York City. 1956. Spanish painter Salvador Dali and rhino, from « Chaos & Creation » for CBS show.© Philippe Halsman

Une alchimie toute particulière liera pour longtemps Halsman et le peintre aux moustaches Salvador Dali qui sera pendant plus de 30 ans son partenaire amical en loufoquerie surréaliste. Une interview photographique avec l’acteur Fernandel, qui répond à chaque question par une mimique ou une grimace, donne lieu en 1948 à un livre délicieux, The Frenchman, qui se vendra à…plus de 100,000 exemplaires! Comment vendre un livre de photographe.

New York, Etats-Unis 1948. French actor Fernandel
© Philippe Halsman / Magnum Photos

Halsman fera aussi en 1962 une campagne photographique pour la promotion des Oiseaux, film pour lequel il mettra lui-même en scène le réalisateur Alfred Hitchcock et son interprète Tippi Hedren. Le photographe y déploie tout son sens de l’humour et de l’inventivité en renvoyant à l’univers du maître du suspense.

Holywood, Californie, Etats-Unis, 1962. Alfred Hitchcock et Tippi Hedren.
© Philippe Halsman

Enrichi en sus du portfolio de contributions, de récits et de témoignages poignants sur les combats valeureux de RSF ainsi que de portraits écrits à l’acide de ceux que l’organisation s’emploie à dénoncer, ce 63è album à la maquette repensée mêle le rire au tragique pour un prix toujours aussi doux. Il vous fera sourire et réfléchir, vous donnera l’envie de sauter et de vous indigner. En bref: sautez dessus!

Philippe Halsman. Avant-propos de Michel Hazanavicius. Un album Reporters Sans Frontières, 9,90€.

Doisneau tel qu’en lui-même: son œil aigu sur la Bretagne

On connait Robert Doisneau pour ses thèmes favoris : la banlieue de Paris, le monde du travail, l’enfance, les bistrots ou les amoureux. La Bretagne, à priori, ne s’inscrit pas parmi les sujets de prédilection ou les théâtres géographiques d’opération du photographe chez qui l’humour n’est jamais éloigné de la tendresse ou de la mélancolie. Doisneau a pourtant visité et photographié aussi la Bretagne, ce qui suffit à motiver ici notre curiosité, par ailleurs rencontrée dans un livre édité et dans une exposition montée dans la région il y a quelque temps déjà.

C’est à titre privé que Doisneau voyage d’abord en Bretagne, avec son épouse et pour leurs premières vacances en 1935, à Saint-Quay-Portrieux. Le couple y reviendra en villégiature avec ses deux filles, Annette et Francine, pour des vacances en Morbihan. Même durant ses congés, le « photographe-illustrateur »  comme il se définit ne quitte pas son appareil et « reste inlassablement à l’affût », ainsi que le rapporteront ses filles (*). Si ses proches lui servent de modèles, Doisneau s’intéresse aussi aux rivages océaniques, au mouvement des vagues et aux aspérités des rochers.

© Editions Locus Solus. Muséee des Beaux-Arts de Quimper. 2018
Bigoudènes près de Pont-l’Abbé, juin 1966

La piste de Doisneau en Bretagne se perd un peu pendant les années de guerre : il retrouve, certes, la région du côté de Rostrenen mais ni les souvenirs de ses filles ni ses agendas ne nous renseignent sur le pourquoi de sa présence dans des lieux un peu perdus ou difficilement accessibles, surtout en ces temps de débrouille. Nous savons, par contre, que Doisneau acceptait les commandes, qu’il s’agisse de publicité ou de reportages pour des magazines et qu’il fixait volontiers sur sa pellicule les artisans et les représentants des petits métiers. 

© Robert Doisneau. Les Fileuses de Gouarec, 1942

Cette approche se poursuit pendant et après la guerre avec le thème des pardons bretons : Doisneau photographie plusieurs processions, notamment pour le magazine Bref, dont la durée de publication sera … très courte. Le talent du portraitiste, son art consumé du cadrage et son sens de l’image sont à l’œuvre là aussi.

Doisneau retourne encore en Bretagne pour photographier des Bigoudènes au milieu des années’60. Il saisit les scènes du quotidien (une vieille dame devant une buvette, un intérieur de ferme,…) avec l’œil amusé et la bienveillance respectueuse qui lui valent désormais sa notoriété, à Paris comme ailleurs. Il fournit aussi des reportages pour une presse engagée (Regards, La Vie Ouvrière, …), photographiant les conflits sociaux, une manifestation paysanne ou le travail en usine avec son habituelle empathie pour l’humain.

© Robert Doisneau. Bigoudène Place Bienvenue. Août 1959.

S’il n’a fait qu’y passer mais à plusieurs reprises, Doisneau a su, fidèle à son style, rendre compte avec justesse d’une région en mutation. Une photographie résume parfaitement ce point de vue : celle de cette Bigoudène montant dans une voiture en plein Paris. Dans cette image où la tradition rencontre la modernité, Robert Doisneau se retrouve simplement tout entier.

(*) Citées par Sophie Kervan dans Doisneau. Un œil sur la Bretagne. Editions Locus Solus. Musée des Beaux-Arts de Quimper.2018.

Photographies publiées avec l’autorisation de l’Atelier Robert Doisneau: https://www.robert-doisneau.com/fr/

Joel Meyerowitz: l’oeil et les leçons du maître-photographe

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Ce livre n’existerait pas sans le projet de Chris Ryan, créateur des cours de photographie en ligne Masters of Photography, inaugurés en 2018 avec Joel Meyerowitz. Décliné en leçons d’abord sous forme de vidéos puis de livres, le projet consiste à réunir les plus grands photographes pour qu’ils nous guident et nous apprennent à utiliser nos yeux pour créer notre propre vision du monde qui nous entoure. Voici donc, dans sa version française aux Editions Eyrolles, un premier petit volume (*) consacré à Joel Meyerowitz, légende vivante de la photographie.

Né en 1938 à New York, celui qui fut parmi les pionniers de la photographie en couleurs nous entraîne dans son processus créatif, sa conception de la photographie et les secrets de sa pratique. Il nous fait part de son expérience, de ses réflexions sur la composition, de la manière d’identifier les sujets qui nous correspondent et de saisir l’inspiration. En 20 courtes leçons illustrées de ses photographies, il nous dit comment opérer dans l’espace public, être prêt à réagir, chercher les détails qui feront la photo, choisir la couleur ou le noir et blanc, jouer avec ce que nous voyons.

S’il fait figure de référence pour la street photography largement abordée dans ce livre, Meyerowitz est un artiste aux multiples champs d’action. Publié en 1978, «Cape Light», son travail sur la côte du Massachussets, est un classique incontournable d’une photographie plus contemplentive et vouée à l’étude de la lumière. Meyerowitz fut aussi le premier et le seul photographe à pouvoir accéder (par la ruse) à l’espace dévasté du World Trade Center de New York après le 11 septembre 2001, nous laissant ainsi un reportage fondamental et d’une inestimable valeur historique sur Ground Zero. Ce qui ne l’empêche pas de nous rappeler que tout est matière à photographie.

m-06c-joel-meyerowitz-paris-france-1967-courtesy-polka-galerieparis© Joel Meyerowitz. Paris, France, 1967. Polka Galerie

Comme toujours, les maîtres en photographie sont là pour nous inspirer mais ne peuvent remplacer le travail sur soi. La photographie, comme Meyerowitz le dit ici, est « une question d’idées » et ce sont nos idées qu’il nous pousse à réaliser, ce qui implique de comprendre techniquement mais aussi d’un point de vue sentimental, psychologique et physique comment nous positionner « au bon endroit au bon moment ».

Tout ce que nous faisons avec passion, obsession ou désir nous apprend des choses, non seulement sur notre support, mais sur nous-même.

                                                                           – Joel Meyerowitz                                                          

Meyerowitz a publié plus de 25 livres et ses photographies font partie des collections du MOMA comme de nombreuses autres galeries et collections dans le monde entier. C’est un vrai bonheur de l’avoir comme mentor, pour une première de ces promenades guidées. Suivez ce guide, à l’écrit comme à l’image. And go for it. Do it!

Découvrez le trailer de sa master class: https://www.youtube.com/watch?v=9o-2ef2bfvQ

(*) Une vision de la photographie. Joel Meyerowitz. Editions Eyrolles. 14,4 x 20 cm. Parution le 13 février 2020. 15,90€

Photographier autrement: petit manuel pour trouver l’inspiration

Nombreux sont les photographes, amateurs ou autres, préoccupés par un souci de renouvellement ou d’inspiration. Quoi de plus naturel à l’heure où presque tout est instantanément transformé en image, quelle que soit la destination ou la durée de vie de celle-ci ? Les livres de photographes confirmés comme les manuels pratiques font office de pourvoyeurs d’idées et nous peuvent nous porter vers d’autres approches de la pratique. Edité par les Editions Pyramyd dans une collection qui propose déjà le même outil pour d’autres techniques artistiques telles le dessin ou l’aquarelle, un nouveau petit livre invite à photographier autrement.

© Editions Pyramyd
Photo de couverture © Florian Pérennès

Dans Le petit livre des grandes inspirations (*), Lorna Yabsley a rassemblé des dizaines de pistes pour nourrir l’inspiration du photographe. Illustré d’images puisées chez ses collègues en photographie contemporaine plutôt que chez les grands maîtres (Bill Brandt, Man Ray, René Burri et Martin Parr sont cependant cités), cet ouvrage recense des dizaines d’idées, de techniques ou même de styles (le minimalisme).

Cela va du simple changement de perspective et de propositions franchement banales (recadrer, aller vers des inconnus) ou souvent efficaces (la juxtaposition, les filtres) au recours à l’infrarouge ou à l’éclairage théâtral. Certaines techniques s’adressent au spectateur (jouer avec la réalité), d’autres sont carrément originales comme le freelensing (retirer l’objectif pour le tenir devant l’appareil) utilisé pour ce portrait très rapproché en couverture de l’ouvrage.

Chaque proposition fait l’objet de courts paragraphes et l’ensemble mélange allègrement les pistes, entre les thèmes (les jumeaux), les conseils (concentrez vous sur la couleur) et les techniques. Ces dernières peuvent être classiques (le sténopé) ou plutôt utilisées en photographie contemporaine, certaines – comme l’appropriation – étant même discutables, l’autrice en convient. Mais peu importe la source de l’inspiration si ce manuel souple et très bon marché vous permet de trouver de nouvelles voies, de relancer votre créativité ou de vous procurer d’autres émerveillements.

Ce petit livre est la version française d’un ouvrage édité l’an passé au Royaume-Uni. Yorna Yabsley, installée dans le Devon, poursuit depuis plus de trente ans une activité photographique aux multiples facettes. Elle est active dans le domaine commercial ou social, dispense des formations et des consultations et a écrit plusieurs livres sur la photographie. Plus d’infos sur son site.

(*) Photographie. Le petit livre des grandes inspirations. 176 pages illustrées. Editions Pyramyd. 12,90 €. A paraître le 5 mars 2020

Balthasar Burkhard: quel rapport entre l’oeuvre et son spectateur?

Une exposition à Bruxelles revient sur la carrière de Balthasar Burkhard, photographe suisse (1944-2010) dont le travail trouvait essentiellement son sens dans son espace d’exposition et à travers de grands formats. La scénographie adoptée par le Museum du Botanique (*) est logiquement non chronologique: elle présente une sélection diversifiée, sur le modèle de l’oeuvre, en illustrant les genres abordés par Burkhard: des nus, des paysages, des animaux, des auto-portraits, des images d’urbanisme.

L’oeuvre de Burkhard se distingue par son sens de l’observation et l’intransigeance de son regard d’une part, la maîtrise du noir et blanc et des dégradés d’autre part. Si les sujets sont traditionnels, leur traitement l’est beaucoup moins. Formé à la photographie par le cinéaste et photographe Kurt Blum (1922-2005), passé par la Kunsthalle de Berne et son charismatique directeur, Harald Szeemann, Burkhard a nourri sa vision dans un contexte où les installations éphémères s’opposaient à l’art traditionnel. Cette révolution artistique le marquera dans ses réflexions sur la relation entre l’oeuvre et son public. Une section de l’exposition, constituée d’archives, offre un aperçu du travail de chroniqueur effectué par Burkhard sur la scène artistique bernoise des années 1960.

Balthasar Burkhard, Sans titre (torse), 1988, photographie noir et blanc sur papier baryté,
141×114 cm.
Collection Musée des Arts Contemporains au Grand-Hornu, propriété de la Fédération Wallonie-Bruxelles

Dans les années 1980, Burkhard produit de larges formats. Un visage, un fragment de corps ou une peau deviennent paysage. Avec Le Corps (1983), Burkhard fragmente son sujet (jambe, hanche, torse, bras) pour le réunifier. Un voyage au Japon le pousse à se focaliser sur les mains, les pieds, une nuque et une oreille.

En 1988 sa photographie — on ne peut plus réaliste — d’un sexe féminin en gros plan dénommée « L’origine » se pose en hommage à «L’origine du monde », la célèbre peinture de Gustave Courbet (1866). L’approche de Burkhard est quasiment scientifique. Un dyptique présenté à l’exposition, intitulé La Vague, renvoit lui aussi à une oeuvre du même Courbet et portant cette fois le même nom.

Après avoir obtenu une première forme de reconnaissance aux Etats-Unis où il était parti vivre puis enseigner, Burkhard fait l’objet d’autres expositions en musées et galeries, notamment dans son pays d’origine, qui lui valent alors un certain succès dans les milieux de la photographie contemporaine.

Donnant libre cours à son intérêt pour les airs et s’inscrivant en cela dans les traces de son père pilote, Burkhard prend au cours des années 1990 des vues aériennes de mégalopoles comme Mexico, Chicago, Londres, Tokyo ou Los Angeles. Il montre ainsi, toujours en grand format, toute la densité de ces villes, leurs réseaux d’artères, l’empreinte des humains sur le paysage. La photographie de Mexico ci-dessous laisse deviner la fourmilière qui habite cette méga-cité tout en dégageant une impression d’immobilité.

Mexico, 1998.
Silvergelatin print on baryta paper, 137 x 277 cm
Collection Musée des Arts contemporains au Grand Hornu, Propriéte de la Fédération Wallonie-Bruxelles

En contrepoint de ces vues en plongée et dans des formats parfois plus réduits comme ici s’inscrivent des images de paysages exclusivement naturels, tels ces photographies de sommets enneigés dans les Alpes bernoises. La couleur, lontemps absente ou présente de façon parcimonieuse dans des héliogravures, s’affirme enfin dans la dernière série du photographe, Flowers (2009), au caractère pictorial saisissant et aux relents quelque peu scientifiques une fois encore. Avant cela mais sans la couleur, ses photographies d’animaux revêtaient elles aussi comme pour le monde végétal une connation documentaire.

Bernina 01, 2003, 34x54cm
Silvergelatin print on baryta paper. Coll. Estate Burkhard

À l’occasion de l’exposition, le Botanique publie d’autre part un livre créé en 2001 par Burkhard et Peter Downsbrough. Longtemps resté à l’état de maquette et diffusé par La Lettre Volée, il s’agit d’un dialogue imaginé entre deux amis, associant leurs univers. A l’exception de l’un ou l’autre catalogue, Burkhard n’a guère laissé de traces sous forme livresque mais on le découvrira au travail dans une vidéo Photosuisse.

Tourné vers le rapport direct entre la photographie et le regardeur, Burkhard se définissait comme photographe plutôt qu’artiste-photographe. Il concevait ses expositions, lesquelles nécessitaient des montages et donc des financements importants, telle une expérience physique pour le visiteur. Celui-ci passera peut-être comme ici par des sentiments plus ou moins variés en fonction de sa prédilection ou non pour les thèmes respectifs. Il s’interrogera aussi et surtout sur son rapport à ce qu’il voit.

Une exposition remarquablement didactique qui restitue dans toute sa cohérence le parcours d’un photographe rigoureux qui s’évertua à faire évoluer notre regard.

(*) Balthasar Burkhard, Photographies 1969-2009. Exposition au Botanique – Centre Culturel de la Fédération Wallonie-Bruxelles, Rue Royale 236, Bruxelles, jusqu’au 2 février 2020. Horaires sur https://botanique.be/fr

Natura, le regard dépouillé de Bernard Descamps

© Filigranes Editions

Sorti de presse à l’occasion de Paris Photo 2019, Natura, le dernier livre de Bernard Descamps aux Éditions Filigranes, est un petit bijou de poésie photographique pour qui prendra la peine de s’y plonger. La série fait l’objet d’une exposition fort bien montée, à découvrir à la Box galerie de Bruxelles (*).

L’ouvrage, superbement imprimé, et l’exposition présentent une sélection d’images prises par Descamps au cours de ces 25 dernières années avec comme fil conducteur un hommage aux premiers essais naturalistes de l’antiquité. Les tirages exposés à la Box valorisent les quatre chapitres de cette série en noir et blanc qui ne se départit jamais du format carré prisé par le photographe.

© Bernard Descamps; Box galerie

Cela commence doucement devant l’océan et un infini paisible. La ligne d’horizon partage l’image en deux. Le ciel et la mer changent avec les conditions météorologiques et les heures qui s’écoulent. On passe de la mer à la montagne, enneigée ou non, sur laquelle les éléments font apparaître des triangles, en noir ou en blanc. On pénètre ensuite dans une forêt de bouleaux avant de se trouver devant d’autres espèces, en d’autres saisons. Les arbres sont alignés, en colonnes et vision frontale, en contre-plongée aussi parfois. Comme chez Michael Kenna, les compositions ne montrent jamais ou alors exceptionnelement la main de l’homme.

© Bernard Descamps. Box galerie

Et puis viennent les oiseaux (comme dans le dernier Kenna, décidémment), en nuée ou en escadrille, qui dessinent des figures et des lignes sur des ciels blancs, jusqu’à devenir parfois de minuscules points noirs.

© Bernard Descamps. Box galerie

Voilà, c’est tout mais il y a là, dans le livre comme aux cimaises, plus et bien plus que ce que pourrait suggérer un coup d’oeil superficiel et distrait. On en prend vraiment conscience en lisant le texte inspiré de Maria Spiegel, judicieusement placé en postface de l’ouvrage. Dès 1974, nous apprend-t-elle, Descamps qualifiait ses images d’« antidocumentaires », nous invitant à dépasser leur signification objective. Avec cette série, le photographe montre qu’il n’a pas varié pendant tout ce temps. Natura pousse son propos jusqu’à l’épure.

Ces photographies ont été prises en France et en Belgique (en forêt de Soignes, aux limites de Bruxelles), en Islande et au Maroc, à Madagascar et en Asie. Pas besoin d’en savoir plus ou de reconnaître tel ou tel paysage: ce n’est pas le sujet. Il n’y a ici rien d’époustouflant ou de spectaculaire, juste des images d’une nature proche mais parlante, entre rêve et réalité. Descamps, doctorant en biologie devenu photographe au début des années 1970 puis membre fondateur de l’agence Vu, se prive volontairement de ce qui fait si/trop souvent l’attractivité des images de nature. C’est l’éphémère qu’il suggère et la mélancolie qu’il dégage. Il regarde la nature pour en souligner la beauté formelle et fugace, révèle des signes qui s’inscrivent dans un, dans son imaginaire. Il ne voyage, dit-il, que pour se rencontrer et « pour trouver mes images, celles qui sont en moi et que j’essaye inlassablement de faire apparaître. »

Il faut prendre le temps d’entrer dans ces photos pour en tirer ce qu’elles peuvent évoquer. « La poésie pour nous sauver », comme le dit joliment l’éditeur de l’ouvrage. Un dépouillement qui incite au dépassement.

(*) Natura. Bernard Descamps. Un album relié couverture cartonnée – 73 photographies en bichromie. Editions Filigranes, 144 pages, 40€.

La série Natura à la Box galerie, Chaussée de Vleurgat 102, à Ixelles (1050 Bruxelles), du 11 janvier au 29 février 2020.

A Toulouse, sous le titre « Rencontres », la Galerie du Château d’eau (1, place Laganne) présente début 2020 une rétrospective Bernard Descamps.

Les oiseaux de Michael Kenna: hymne au silence

Nous avions découvert il y a quelque temps avec Rafu un aspect certes inattendu mais parfaitement dans la ligne esthétique du photographe, du travail de Michael Kenna. La parution récente aux Editions Xavier Barral d’un ouvrage signé Kenna dans la magnifique collection Des oiseaux nous plonge dans une thématique plus familière du maître de la photographie de paysage en noir et blanc.

© Editions Xavier Barral

Les oiseaux de Michael Kenna s’inscrivent donc dans les types de paysages qui l’inspirent et qui sont dépourvus de la moindre présence humaine. Ils se détachent sur des fonds — des ciels ou des plans d’eau, avec ou sans turbulence. Ils sont perchés sur des pilotis ou des fils électriques. Ils volent en formation ou s’accordent un temps de repos, en solitaire, en duo ou en groupe. Avec ou sans battements d’ailes, ils décrivent des figures, dessinent des ensembles.

On retouve avec délectation dans ce livre des contrastes graphiques subtilement ou fortement marqués, un format presque toujours carré et ces tirages soignés avec toute la profondeur et subtilité de richesse dans les nuances de gris et de blanc qui sont le fait de l’exigence du photographe. Même quand ils sont pris dans une tempête de neige au Japon ou figurent discrètement comme ici sur les bords d’un lac birman, les oiseaux de Kenna participent de son minimalisme et dégagent la mélancolie. Kenna donne à voir le silence.

Morning Mists, Pyin U Lwin, Myanmar. 2019
© Michael Kenna. Editions Xavier Barral

I often think of my work as visual haiku. It is an attempt to evoke and suggest through as few elements as possible rather than to describe with tremendous detail.” – Michael Kenna

One Hundred and Five Birds, Prague, Czechoslovakia. 1992
© Michael Kenna. Editions Xavier Barral

Après les volumes de cette collection consacrés aux photographies d’oiseaux de Penti Sammallahti et Bernard Plossu, de Yoshinori Mizutani et Terri Weifenbach, le nouveau dyptique produit par l’équipe de l’éditeur disparu l’an dernier nous fait également découvrir les magnifiques images de Graciela Iturbide. Dans chaque ouvrage de la collection, un texte de Guilhem Lesaffre nous en apprend toujours plus sur l’univers de nos amis à plumes, renforçant le respect qu’ils devraient décidément nous inspirer. Le texte accompagnant les photographies de Michael Kenna nous explique les secrets du vol et le mode de vie de quelques spécialistes, dont ces martinets qui s’accouplent en plein vol et nous donnent l’image d’un oiseau à quatre ailes.

Chez Xavier Barral comme ailleurs, Michael Kenna décrit et suggère. Il suffit de se laisser porter. Comme les oiseaux.

(*) Michael Kenna, Des oiseaux, texte de Guilhem Lesaffre, Editions Xavier Barral, 2019. 104 pages – 49 photographies noir & blanc

1960-1970 Jean-Marie Périer: une nostalgie photographique

© Editions Privat

« Tout ce que je te demande, c’est que tes photos déplaisent aux parents ! ». Quand Daniel Filipacchi propose en 1962 à Jean-Marie Périer de partager l’aventure du magazine Salut les copains, le jeune photographe a tout juste 23 ans. L’âge de ses modèles, ces chanteurs et chanteuses de la génération yéyé, animés pour beaucoup par le rêve américain. De cette idée et avec la complicité de ses modèles dont il fut souvent proche, Jean-Marie Périer tira des photos qui n’étaient comme il le dit lui-même « que du spectacle sur papier pour distraire les jeunes et les faire rêver un peu ».

En revisitant ses archives, Jean-Marie Périer a extrait près de 400 clichés dont 150 photos inédites pour composer le premier livre de la marque d’édition qu’il met sur pied à l’approche de ses 80 ans. Complétées des souvenirs du photographe, qui raconte leur histoire et celle de ses rencontres avec les îcones en question, ces images forment un kaléidoscope qu’il est doux de feuilleter pour raviver la mémoire. Elles nous apportent aussi, par delà leur fraîcheur, quelques indications sur l’esprit de leur temps.

Françoise Hardy et Salvador Dali, octobre 1968. Photo prise à Cadaquès, Espagne.
© Jean-Marie Périer. Editions Loin de Paris/ Privat

Johnny Hallyday, Sylvie Vartan, Jacques Dutronc, Françoise Hardy ou encore les Beatles, les Rolling Stones, Bob Dylan et Marianne Faithfull posent devant l’objectif de Jean-Marie Périer dans tous les accoutrements et toutes les situations. Les modèles ne craignaient ni le ridicule ni le clin d’oeil fortement appuyé. Ils ne refusaient rien au photographe et jamais n’exigeaient de voir une photo avant sa publication. Les obsédés du temps et du contrôle qui les ont remplacé(e)s comme ceux qui sont venus se greffer dans le milieu pourraient s’inspirer d’une telle modestie ou d’un tel sens de l’humour.

Les Beatles à Paris, 1965. © Jean-Marie Périer.Editions Loin de Paris / Privat

En couleur presque toujours, en grand ou en petit format, les images de Jean-Marie Périer ne montrent pratiquement jamais ou si peu (comme ci-dessous en concert) la réalité ou le moment présent. De ses modèles et amis, l’auteur comprend qu’« ils étaient en confiance justement parce que je ne traquais pas leur réalité ». Si ses photographies sont mises en scène et ne prétendent aucunement tenir lieu de documents, elles portent aussi témoignage aujourd’hui d’une insouciance et d’une audace qui s’exprimaient sans guère de retenue.

Keith Richards lors d’un concert de l’American Tour des Rolling Stones, 1972.
© Jean-Marie Périer. Editions Loin de Paris/Privat

Même un prix Nobel de littérature peut tomber sous le charme: « Ces grandes filles toutes simples ne savaient pas qu’elles étaient les années 1960 », écrit Patriclk Modiano dans sa préface. « Elles se contentaient, en toute innocence, d’être des instants, et pour elles le passé ou l’avenir n’existaient pas. Le temps s’était arrêté. Il suffisait de vivre un présent éternel. Ou, plus exactement, de le rêver. Et c’est bien le rêve de ces années-là que Jean-Marie a fixé sur la pellicule ».

En fin de compte, mes photos ne représentent pas les années 1960, mais seulement les rêves des adolescents de l’époque.

Jean-Marie Périer
Mick Jagger au studio Carnot, Paris, 1971 . © Jean-Marie Périer. Editions Loin de Paris/Privat

Conscient que son approche, qu’il qualifie volontiers de dilettante, n’a pas fait de lui le plus grand photographe du monde, Jean-Marie Périer avoue regretter ce temps où il gagnait sa vie avec désinvolture et où ses commanditaires n’attendaient surtout pas de lui qu’il soit sérieux. A l’heure où la fête est finie, il nous laisse, et beaucoup sans doute lui en seront reconnaisssants, un parfum de nostalgie et des images empreintes d’une légèreté réjouissante. Comme des lambeaux de jeunesse qui ne veulent décidément pas nous quitter.

1960-1970 Jean-Marie Périer. Texte et photo de Jean-Marie Périer. Préface de Patrick Modiano. Editions Loin de Paris/Privat, 416 pages. Cartonné sous jaquette. 39,90 €