La photo de paysage en 52 défis

Continuer à apprendre, suivre de nouvelles envies, avoir d’autres projets: tel sera toujours le meilleur moyen, en photographie comme ailleurs, de stimuler sa créativité. Pour renouveler sa pratique, essayer des techniques différentes, en un mot pour progresser, rien de mieux que de se fixer de nouvelles missions. Les livres et manuels de photographie peuvent comme toujours nous venir en aide et ceci vaut aussi à l’intérieur même d’un domaine particulier. Un petit ouvrage publié par les Editions Eyrolles (*) dans la collection des 52 défis nous propose d’élargir notre horizon dans le domaine de la photographie paysagère.

© Editions Eyrolles

Sans vous encombrer de technique et sans entrer dans les détails (la collection se décline dans un format modeste et à prix doux) , le livre se veut guide d’inspiration. Certaines propositions sont assez simples (changer de point de vue, photographier au ras du sol ou d’un emplacement élevé) ou plutôt convenues (briser les règles, saisir les contrastes). D’autres sont moins courantes (jouer avec l’infrarouge) ou dans l’air du temps comme le recours à la technique du light painting, prisée par les utilisateurs d’une lampe torche pour illuminer subtilement (à vérifier) leur sujet.

Nos préférences personnelles parmi ces propositions nous portent vers les classiques: se lever tôt, utiliser un temps de pose d’une seconde ou plus, et puis tout ce que peuvent offrir les bords de mer, que les vagues soient déchaînées ou qu’elles portent à ralentir le mouvement et à créer le flou. S’agissant du paysage, bon nombre de ces défis supposent l’utilisation d’un trépied ou d’un filtre (polarisant, de densité neutre ou coloré).

Les derniers défis ne valent pas seulement pour les paysages: créer une plate-forme pour présenter ses images, ne pas laisser les meilleures de celles-ci sur un disque dur ou dans un téléphone mais les tirer ou les faire tirer. Avec une évidence, qui sonne comme un paradoxe à l’heure des smartphones et du « tous photographes »: le tirage est bien plus accessible aujourd’hui qu’au temps de l’argentique.

Comme pour la photo de voyage, la photo de nature et les autres ouvrages de cette série, nul besoin bien sûr de relever tous ces défis dans l’ordre. Le principe du livre est d’y puiser une idée ou une technique selon la situation, le sujet ou l’envie du moment. L’important est de faire des expériences sans craindre de faire des erreurs. Et de suivre le conseil final des auteurs: amusez-vous!

(*) Photo de paysage. Collection 52 défis. Ross Hodindod & Mark Bauer. Editions Eyrolles. Broché, 128 pages, format 14 x 21; 12,90 €.

D’autres idées pour l’été

Photographier les oiseaux:

© Editions Eyrolles

Nouvelle parution dans la collection Secrets de photographe (Editeur/ Eyrolles), un ouvrage d’Erwin Balança nous aide à comprendre le comportement des oiseaux pour se lancer dans une pratique délicate. Un domaine de la photo dans lequel les progrès dans les performances du matériel photographique ont certainement contribué à la prolifération d’images spectaculaires, dans les clubs et concours photo notamment. Observer et photographier ces créatures merveilleuses sont toutefois deux choses différentes. Ce livre contient des conseils de terrain et de prise de vue pour saisir nos amis à plumes, farouches ou non, dans les parcs ou sur le littoral. Le tout dans le respect impérieux d’une règle d’or: ne pas déranger l’oiseau.

La même collection s’était déjà enrichie cette année d’ouvrages sur les secrets de l’astrophoto, des anciens procédés alternatifs, et même de la photo de boudoir. Dans ce dernier livre, Hélène Dourland partage son expérience pour qui voudra aborder avec délicatesse ces séances un peu particulières, dans lesquelles « la relation avec le modèle est au coeur du lâcher-prise qui conduit à des images authentiques ».

Occuper les enfants:

© Editions Eyrolles

Envie d’emmener votre progéniture ou les participants à un stage à la découverte des secrets et mystères de la photographie? Avec « Mission Photo« (Editions Eyrolles, 18 €), Anne-Laure Jacquart, dont les livres ont ravi bien des amateurs, met ses qualités pédagogiques au service des plus jeunes. Elle guide ici les enfants à travers leurs parents, grands-parents, animateurs ou autres dans la joyeuse aventure de l’image, du cadrage à la composition.

La photographie, c’est un autre secret, est un jeu d’enfant.

L’été est là et le moment est venu de faire une pause. Et peut-être, du moins pour moi, de réfléchir à l’orientation de ce blog.

Bonnes vacances et belles photos!

Les outils de l’astrophotographe : lire et capter le ciel et les étoiles

© Editions Eyrolles

Qui dit paysage astronomique dit forcément très faible luminosité. Les APN et les objectifs les plus récents dotés des derniers perfectionnements dans la gestion des basses lumières et du bruit numérique rendent aujourd’hui plus facile la réalisation de superbes photographies du ciel nocturne. Investir dans un matériel pointu fera d’autant plus la différence mais rien n’empêche désormais de commencer avec un équipement relativement basique. Si les pleins formats 35 mm offrent les meilleurs résultats, l’utilisation d’un capteur plus modeste n’a rien de rédhibitoire.

Adam Woodworth a voulu permettre à tout détenteur d’un kit réflex ou hybride, muni de logiciels de traitement courants, de réaliser d’époustouflantes images de la voûte étoilée. Publié chez Eyrolles dans une traduction de l’anglais, « Photographier le ciel nocturne » (*) se propose d’initier aux techniques de la photographie en basse lumière telles la fusion d’exposition et des mises au point.

Sans couvrir tous les aspects de l’astrophotographie, Woodworth nous explique donc comment prendre plusieurs vues, comment les fusionner et les empiler pour créer l’image définitive. L’essentiel de l’ouvrage est consacré au matériel, aux réglages de l’appareil et de l’exposition mais aussi à la planification des sorties, ce qui suppose l’acquisition de quelques bases d’astronomie et de météo. On passe en revue les logiciels de cartographie et le flux de travail en étapes tel que l’enseigne Woodworth dans ses formations et séminaires qu’il dispense pour Nikon aux Etats-Unis. Woodworth partage avec son lecteur ses astuces et conseils et termine par quelques études de cas qui donnent réellement envie de passer du temps sous les étoiles.

Le côté « manuel » de l’ouvrage est bien équilibré par une présentation très séduisante et par les superbes photographies de Woodworth. Une précision: n’attendez pas de ce livre qu’il vous explique comment photographier la lune ou les traînées d’étoiles. Il s’agit plutôt ici de maîtriser son sujet devant la Voie lactée, la Constellation d’Orion, la Grande Casserole et le Nuage de Magellan sans compter les aurores boréales. Les images de Woodworth sont publiées dans les magazines spécialisés. Découvrez-les également sur son site. Vous serez épatés.

© Editions Eyrolles

Dans le même domaine, on signalera la réédition chez le même éditeur des « Secrets de l’astrophoto » (**), un ouvrage de Thierry Legault, astrophotographe amateur de renommée mondiale dont les photographies sont régulièrement publiées dans la presse du monde entier, spécialisée ou nom.

Les photographes amoureux du ciel et des étoiles, les curieux qui ne sont pas encore très expérimentés trouveront dans ce livre mis à jour toutes les informations sur le matériel de base et son utilisation. Les astrophotographes en herbe apprendront ici aussi à préparer leur sortie, à effectuer les repérages et à anticiper le spectacle du ciel. L’ouvrage aborde les techniques et les traitements essentiels, couvrant astropaysages et Voie lactée, aurores, planètes, satellites. Ce livre-ci vous dira également comment photographier la Lune, le Soleil (protégez-vous d’abord!), les éclipses, sans compter les nébuleuses et les galaxies.

Legault est en outre l’auteur de Astrophotographie (trois éditions chez Eyrolles), un ouvrage plus exhaustif déjà traduit en plusieurs langues et qui fait véritablement office de référence sur le sujet. L’astronome-auteur en effet est une autorité en la matière au point que l’Union astronomique internationale, seule habilitée àdonner leur nom aux objets célestes, a donné son nom à un astéroïde.

L’astrophotographie est certes l’une des formes de photographie parmi les plus exigeantes: la patience est essentielle et le savoir-faire particulièrement indispensable mais il est possible de réaliser des clichés étonnants sans investissements trop importants. Anthony Pidgeon, photographe professionnel expérimenté, l’assure : dans ce domaine, « tout événement aléatoire est une source de richesse. Acceptez-le et votre expérience de la photographie nocturne vous réservera des surprises étonnantes. »

(*) Photographier le ciel nocturne, Adam Woodworth. Editions Eyrolles. Broché, 208 pages, format 23,5 x 25,5 cm. 28 €.

(**) Les Secrets de l’astrophoto. Matériel – Technique – Observation. Thierry Legault. Editions Eyrolles. Collection Secrets de photographes. Deuxième édition. Broché, 132 pages, format 17 x 23 cm, 24 €.

Questions-réponses pour une culture photo avec JC Béchet

© Editions Eyrolles

Le goût s’éduque, en photographie comme ailleurs. Et la culture photographique est un bien précieux, qui s’acquiert. Cela n’a rien d’ennuyeux — que du contraire, comme le prouve un livre récemment sorti de presse aux Editions Eyrolles. L’ouvrage (*) se présente comme « une exploration des coulisses de la création photographique en 200 questions esthétiques et pratiques ».

Le livre est co-signé par le photographe Jean-Christophe Béchet, auteur d’une bonne vingtaine de livres de photographies. Cet ancien rédacteur-en-chef adjoint du magazine Réponses-Photo anime par ailleurs des ateliers photo et ses écrits comprennent également des ouvrages et textes très pertinents sur la photographie (**) . L’autre signataire du livre, Samuel Decklerck, est professeur de philosophie en lycée et fut président du club photo d’Angers.

Sous forme de réponses aux questions formulées par son complice, Jean-Christophe Béchet partage ici ses réflexions, jamais obscures et toujours enrichissantes, en traitant d’abord en profondeur les thématiques essentielles du portrait, du paysage et de la photo de rue. Il aborde les choix esthétiques et techniques comme les questions pratiques sans aucun recours au jargon, en photographe doublé d’un journaliste-communicant très averti. Ses références sont fondées sur une curiosité jamais limitée à son propre pays et au monde anglo-saxon.

Le propos se nourrit des propres expériences de Béchet, de ses connaissances approfondies sur l’évolution de la photo, des pratiques des meilleurs photographes et des situations rencontrées par ceux-ci dans leur travail. Béchet nous parle ainsi des portraits de Marylin Monroe ou de Picasso, des approches d’Ansel Adams ou de Robert Franck comme de la mission photographique de la DATAR. Il explique les origines de la « street photography », resitue les genres et leur naissance dans leur contexte, précise les différences entre les méthodes de Garry Winogand et de Lee Frielander dans les rues des grandes villes américaines.

Tout au long du livre émaillé de conseils, de notes discrètes et d’une bibliographie sélective, le jeu des questions-réponses fait de la culture photographique un terreau on ne peut plus vivant : sans prétendre à l’exhaustivité mais avec une subjectivité bien documentée, Béchet nous passionne toujours et ne lasse jamais. C’est clair et intelligemment dit.

Béchet défend l’idée que la photographie suppose en fin de compte une matérialité, que le mot « photographe » garde aujourd’hui tout son sens mais ne peut s’appliquer à ceux qui s’approprient ou utilisent les photos faites par d’autres pour les transformer et en faire leur propre création. Pour Béchet, une photographie n’est pas une simple image mais un véritable objet. Autrement dit, c’est le tirage qui fera d’une image une photographie et « c’est encore plus crucial pour une photographie d’art ».

Reproduction en poster du Baiser de L’Hôtel de Ville

En quelques pages, on lit ou relit aussi la véritable histoire du mythique Baiser de l’Hôtel de Ville (Robert Doisneau, 1950), une photo de rue réalisée pour Life et ressuscitée 36 ans après la prise de vue, qui empoisonna d’une façon malheureuse la vie de son auteur. Lequel n’avait jamais eu la moindre intention de « fabriquer » ce qu’il ne considérait même pas comme une de ses meilleures photos.

L’ouvrage s’achève sur un chapitre consacré aux pratiques contemporaines, plus controversées, de la photographie qualifiée de plasticienne, conceptuelle ou créative. Il ne s’agit plus d’un type de sujet mais de la manière de traiter son sujet et d’une approche stylistique susecptible d’englober tous les thèmes possibles.

Béchet, dont une partie du travail peut s’apparenter à la photographie plasticienne, fait subtilement la part des choses ici aussi. Sa conclusion? Ne pas abandonner le discours mais aussi la recherche créative à « ceux qui veulent ‘dissoudre’ la photographie dans une grande ‘ratatouille esthétique’ qui serait un mixte des arts plastiques et visuels ». Tout commence et tout finit par la pratique.

A vos boîtiers!

(*) Acquérir une culture photo. Sous-titre : Une exploration des coulisses de la création photographique en 200 questions esthétiques et pratiques. Auteurs : Jean-Christophe Béchet, Samuel Decklerck. Editions Eyrolles. 200 pages. Broché, format 17 x 21. 28 €.

(**) Voir notamment l’excellent Petite philosophie pratique de la prise de vie photographique, avec Pauline Kasprzak, Creaphis Editions, 2014.

Françoise Lerusse trouve sa voie dans le chaos de Bangkok

Françoise Lerusse vient de publier son deuxième livre de photographies (*). Cet ouvrage auto-édité est une très belle réussite.

Passionnée de photographie urbaine, Françoise Lerusse a voulu traduire en images son ressenti devant Bangkok, la capitale thaïlandaise, découverte lors d’un premier voyage en 2017. « La première impression est celle d’étouffement, d’écrasement, de chaos », explique-t-elle dans son texte d’introduction. Dans cette mégapole asiatique, en effet, tout — immeubles, infrastructures, véhicules, panneaux, boutiques, population se déplaçant par tous les moyens — participe à un invraisemblable enchevêtrement de lignes, de volumes, de couleurs. L’ensemble dégage une énergie constante et incontrôlée. Et sur tout cela se greffe une épouvantable pollution, environnementale et sonore. Autant d’éléments que la photographie, par essence, a du mal à traduire.

Tenter de relever ce défi en tant que photographe, c’était donc partir d’un redoutable constat : rien, dans le désordre de Bangkok, ne permet a priori de structurer ce qu’on voit pour en sortir des images. Pas le moindre vide ou espace pour organiser la vision.

Faute d’une lisibilité immédiate, comment rendre compte alors de cette confusion, de cette exubérance,, de cette agitation protéiforme?

© Françoise Lerusse

Animée d’une répulsion-fascination devant ce spectacle, la photographe a choisi, dit-elle, de suivre ses émotions. En jouant des et avec les reflets, en suivant les lignes et en composant habilement avec les formes, elle nous fait entrer dans cet extrordinaire bouillonnement. Le premier choc visuel passé, on se prend à trouver un semblant de sens, des directions qui guident l’oeil et qui font pénétrer plus avant dans l’enchevêtrement des matériaux et des humains.

© François Lerusse

La couleur vient à l’appui pour distinguer les formes et les êtres qui tracent leur chemin sur une invraisemblable accumulation à la verticale comme à l’horizontale. On regarde attentivement et on réalise qu’on est au-delà d’un rendu purement documentaire et qu’on se trouve en présence d’un projet réellement esthétique. Et on finit par décèler cà et là, devant le béton et à côté des signes, de subtiles touches de poésie.

Photographe belge partageant son temps entre trois pays, Françoise Lerusse se consacre depuis quelques années à la photographie après un parcours dans le journalisme audiovisuel et la publicité. Passionnée d’arts plastiques, intéressée par les villes, elle apprécie par ailleurs des horizons plus paisibles ou la douceur des vieux villages tels ceux du Var, où elle a trouvé le sujet de son premier livre, Dans les plis du vieux village.

Françoise Lerusse a accumulé elle aussi, à travers ses expériences passées, ses connaissances artistiques et le savoir-faire acquis au travers de ses formations, les atouts qui lui permettent d’exprimer par la photographie sa sensibilité. Tout cela a fait de Chaos un travail très personnel. Françoise Lerusse a superbement relevé son défi.

De format modeste, l’ouvrage est intelligemment conçu, imprimé sur un papier Munken Polar semi-mat judicieusement choisi pour ce propos.

Ce livre est à commander sur le site de Françoise Lerusse. 25 €, frais d’envoi inclus.

(*) Chaos. Françoise Lerusse. Postface de Mélanie Huchet. Direction artistique et mise en pages de Raphaël Lévi. Format : 150 x 200 mm, 68 pages. 28 photographies couleur. Imprimé par Yenooa.

Albert Watson, un maître de la créativité photographique

Andy Warhol, New York, 1985
© Editions Eyrolles

Né en 1942 à Edinburgh (ou Edimbourg, Ecosse), Albert Watson est l’auteur de photographies emblématiques créées depuis plus de 50 ans. La palette de son travail est très large, des portraits intimes à la photo de mode en passant par des paysages spectaculaires et des natures mortes. Watson est notamment l’auteur d’affiches de films, d’innombrables couvertures pour Vogue, Rolling Stone et Time ainsi que d’un calendrier Pirelli. Photographe des célébrités, ses campagnes publicitaires pour Chanel notamment lui ont valu le succès dans le milieu. Son portrait de Steve Jobs fit en 2011 la couverture de la biographie autorisée de l’entrepreneur.

Watson expose sa vision de la photographie dans le deuxième volume de la série Masters of photography que viennent de publier les Editions Eyrolles (*). Ce livre fait suite à celui consacré à Joel Meyerowitz dont nous avions rendu compte ici lors de sa parution en février 2020.

Masters of Photography s’est donné pour projet de faire appel aux plus grands photographes pour qu’ils nous guident et nous transmettent les enseignements de leur pratique. Pas d’exposés trop techniques mais plutôt des « leçons » (si on veut bien comprendre qu’il n’y a rien de rébarbatif dans le terme) dans lesquelles les maîtres exposent, dans des vidéos comme dans de séduisants petits livres, leurs méthodes et leur approche de la photographie. Les vidéos des Master Classes de Joel Meyerowitz, d’Albert Watson et de Steve McCurry sont disponibles en français sur: https://maitres.photo/

Dans ce livre et cette masterclass, Albert Watson dévoile notamment comment il a réalisé quelques-unes de ses photographies les plus célèbres dont son portrait d’Alfred Hitchcock destiné au magazine Harper’s Bazaar (1973). Le cinéaste, par ailleurs excellent cuisinier, devait y partager une recette pour Noël. Sur ce cliché pris à l’encontre des attentes initiales de son client mais jouant sur la personnalité et la réputation du cinéaste, le maître du suspense tient une oie déplumée par le cou comme s’il venait de l’étrangler.

Alfred Hitchcock and goose, 1973. © Albert Watson

Très sollicité par les magazines de beauté et de mode, Watson fit poser la jeune Kate Moss en lumière et en tenue toute naturelle pendant une longue journée au soleil du Maroc. Ce n’est qu’à l’issue de la séance que son modèle lui apprit qu’elle fêtait ce jour-là son 19è anniversaire. L’acteur Jack Nicholson fut apparemment complaisant lui aussi en restant longtemps assis sous la neige devant les montagnes du Colorado : le photographe, qui souhaitait cette image évoquant le dernier film à succès de l’acteur, eut le temps de prendre un petit déjeuner au chaud dans la maison de celui-ci avant de sortir prendre la photo. Avec Watson, c’est l’idée qui prime! En photo publicitaire comme dans les autres genres, en effet, le maître-mot du maître Watson est décidément la préparation: réfléchir avant la séance, trouver l’idée amusante ou qui fait mouche, définir le concept à faire passer.

En 20 chapitres qui peuvent paraître courts à la lecture, Watson couvre tous les domaines, de l’éclairage et du choix des objectifs au travail en studio et à la photographie de paysage dans son Ecosse natale (superbes images de l’île de Skye) ou au Maroc, qu’il découvrit en 1978 pour le magazine Vogue. Le photographe répondra dans les années 1990 à une commande du prince héritier, actuellement Roi du Maroc, un pays que Watson eut l’audace de photographier essentiellement en noir et blanc et où il passe désormais beaucoup de temps.

Aux photographes qui n’apprécient pas la technicité, je dis souvent qu’ils sont avantagés: toute leur concentration est dédiée à l’imagerie

Albert Watson

Ce petit ouvrage contient un avertissement fondamental, au coeur de la philosophie de Watson: ne jamais laisser la technique prendre les rênes au point de prendre le dessus sur l’image. La photo selon Watson, c’est 80 % de créativité et 20 % de technique. Une incitation à ne pas trop compter sur le post-traitement et à toujours s’assurer à la prise de vue que l’atmosphère générale et la lumière sont bonnes. Pétri d’idéées et doté des moyens de les réaliser, Watson se garde d’abuser des effets spéciaux.

Albert Watson à l’œuvre. 4è de couverture. Éditions Eyrolles.

Le livre est une parfaite introduction au photographe et vous donnera sans doute envie de passer plus de temps à voir à l’oeuvre et à écouter ce maître très influent. Vous apprendrez à mieux le connaître encore et à vous inspirer de ses méthodes au fil des six heures et demie de son enseignement en ligne.

(*) Albert Watson, une vision de la photographie. Editions Eyrolles. Format 14,5 x 20 cm, broché, 15,90 €.

La photographie numérique par Scott Kelby : le tout en un

© Editions Eyrolles

Photographe et formateur américain, Scott Kelby est un auteur prolifique dont les livres font l’objet de multiples traductions et republications. Les Editions Eyrolles, qui nous avaient récemment proposé les recettes de Kelby pour le portrait en lumière naturelle, viennent de sortir de presse une nouvelle édition mise à jour d’un ouvrage-compilation reprenant l’essentiel de ses conseils en photographie numérique (*).

Ce condensé se présente sous la forme de 220 fiches-articles : un conseil par page avec une illustration. Adapté de l’anglais par Gilles Théophile, le livre ne s’embarasse pas de théorie ou de longues explications, d’autant que le champ est très vaste. On vous épargne la table des matières de quatre pages et demie mais sachez qu’elle couvre les aspects techniques (la netteté, l’utilisation du flash), les objectifs, les genres de photo (paysage, voyage, portrait, mariage, sport), l’impression et quelques recettes plus spécifiques « pour des images de pro ».

Kelby annonce et respecte son propos : aller droit au but et vous offrir ses astuces de façon directe et très concrète pour choisir et placer son matériel, effectuer ses réglages, éviter les écueuils. C’est sans doute ce qui fait le succès de l’homme et de ses formations. La retouche et les aspects les plus complexes du post-traitement se prêtant moins à l’exercice simplifié par écrit, il renvoit à ses vidéos (en anglais) pour le tutoriel sur ces questions.

Scott Kelby © Peter Hurley

Ce livre-ci s’adresse donc essentiellement aux débutants comme aux photographes « de niveau intermédiaire » soucieux de s’améliorer ou de disposer d’un guide « tout en un ». Il ne fait pas l’économie, par contre, des habituelles plaisanteries que Kelby a coutume de placer en introduction de chaque chapitre. Elles ne sont franchement pas indispensables, surtout dans une traduction. S’il n’est pas avare de ses petites blagues ni de ses remerciements, ce bon Scott, qui dispense ses formations en ligne sur KelbyOne.com et dirige par ailleurs un talk-show sur la photographie (The Grid), a le don de vous prendre par la main sans vous abreuver de technicité. Certains seront tentés de lui disputer ou de nuancer l’un ou l’autre point mais ses explications peuvent valoir quel que soit la marque ou le modèle de votre appareil.

Scott Kelby livre tout simplement ici et sans fioritures le « comment faire » pour débuter et se perfectionner. Un « best of » de ses recommandations pour une bonne vingtaine d’euros.

(*) La photo numérique par Scott Kelby. Editions Eyrolles. Broché, 272 pages, 17×22 cm, 22 €.

L’Alsace en 1945: un drôle de Doisneau

Robert Doisneau découvrit l’Alsace à l’automne 1939, en habits militaires. Mobilisé pendant la « drôle de guerre », le jeune photographe a froid et c’est peu dire qu’il ne se sent pas bien dans la peau d’un soldat. Réformé après un diagnostic de risque de tuberculose, il est renvoyé dans ses foyers de Montrouge avec de mauvais souvenirs. La guerre finie, Doisneau retrouve l’Alsace à l’été 1945, deux mois après l’armistice. Ce deuxième voyage intervient sans doute en réponse à l’invitation d’un imprimeur-éditeur de la région, qui aurait envisagé un ouvrage d’illustrations « pour parler de l’Alsace de façon positive ». Telle est du moins la supposition avancée par un historien du cru. Le projet, quel qu’il fut, resta en effet sans suite. Il faudra attendre 2008, bien après le décès du photographe, pour qu’une publication voie le jour à l’initiative de l’Atelier Robert Doisneau, la structure créée par ses filles pour valoriser son oeuvre.

© Atelier Robert Doisneau/Editions Flammarion

Ce lot d’images, cohérent mais intrigant, voire légèrement décalé, par rapport aux facettes plus connues de son auteur, est réédité aujourd’hui par les Editions Flammarion (*). Il est accompagné de textes qui soulignent la situation particulière de l’Alsace au moment où Doisneau fixa ces images sur la pellicule.

Annexée de facto par le Reich en novembre 1940 en violation des accords d’armistice du mois de juin et abandonnée par le régime de Vichy, l’Alsace abritait alors des partisans de l’autonomie qui se rallient au régime nazi, tandis d’autres habitants choisissent la Résistance. Des fractures profondes en résultent. Les Alsaciens deviennent brutalement sujets du Reich. Certains sont jugés « indésirables » et expulsés, d’autres envoyés en Allemagne en « rééducation ». Par ailleurs, 300,000 habitants de la région de Strasbourg et des rives du Rhin avaient été déplacés par les autorités françaises dès septembre 1939. Ces populations transférées vers le sud-ouest ou le centre de la France seront mal perçues par les « Français de l’intérieur ».

Une partie des exilés choisira de rentrer après l’armistice et la propagande allemande aura soin de leur souhaiter la bienvenue. Les « élites » déplacées ou exfiltrées, quant à elles, ne retrouveront l’Alsace qu’après la Libération. Les incorporations de force dans l’armée allemande nourriront pour longtemps le ressentiment et l’incompréhension parmi et envers les Alsaciens. Dans l’histoire et la mémoire de ces territoires déjà perdus et récupérés dans le passé viendront se greffer le drame des disparitions, les faits de collaboration dénoncés ou non, les lâchetés occultées ou niées. Un camp de concentration et d’extermination existait dans le Bas-Rhin pendant l’occupation et la région abrita puis vit tragiquement disparaître l’une des plus importantes communautés juives de France. La honte et l’amertume sont donc bien vivaces derrière le soulagement qui survient en 1945. Le retour à la stabilité ne va pas de soi: l’usage du français, par exemple, devient la règle alors que les trois quarts de la population ne parle pas la langue. L’heure est aux règlements de compte. L’Alsace, en somme, est un chaudron et beaucoup de souvenirs seront enfouis sous le tapis.

Châtenois, La porte du château. © Atelier Robert Doisneau

Le texte d’introduction aux images de Doisneau, déjà montrées dans des expositions, est donc indispensable. Il doit être lu dans toutes ses nuances, d’autant que les photographies ne rendent pas vraiment compte, ou fort peu, du contexte difficile et douloureux du moment des prises de vues. Et c’est bien ce qui fait non seulement l’intérêt du reportage de Doisneau mais aussi la surprise qui s’en dégage. Car les stigmates de la guerre n’apparaissent guère et l’époque était forcément loin d’être aussi paisible que le suggèrent les photographies.

Les religieuses de Ribeauville, 1945 © Atelier Robert Doisneau

Les personnages ici alternent avec un cadre de vie bucolique ou urbain dans une atmosphère de calme. Doisneau se fait résolument paysagiste en même temps que documentariste. Nous savons certes qu’il n’était pas homme à rechercher ou vouloir figer une scène de vengeance sur fond d’épuration mais son reportage dans cette Alsace meutrie et divisée fleure carrément bon le terroir. Il s’attache aux particularismes des costumes et de l’habitat. Les destructions et les traces de barbelés ne sont que rarement représentées (où est-ce le fait de la sélection?). « Voulait-il démontrer que cette région symbolique était aussi belle que française? », s’interroge Vladimir Vasak. S’agissait-il simplement de répondre à une commande de ce type dans le contexte de la Libération et du retour à la paix? L’hypothèse paraît valide mais les archives de l’imprimeur-commanditaire supposé ne sont d’aucune utilité à ce égard.

La publication originale de 2008.
© Editions Flammarion

Les images évidemment sont belles, les nuances de gris sont parfaitement rendues et Doisneau, dont l’honnêteté du regard n’est bien sûr pas en cause, fait preuve d’un sens impeccable de la composition. Mais la malice coutumière du photographe n’éclate pas comme ailleurs dans son oeuvre. L’attachement aux enfants et aux gens âgés est présent mais nous ne sommes pas en banlieue ni entre habitants complices d’un même quartier. Il y a certes des sourires et des jeux mais aussi peut-être une certaine distance, même si cette impression tient sans doute à la comparaison avec tout ce que nous connaissons par ailleurs du photographe. Et l’inédit surgit avec le château de Ribeaupierre figurant dans un paysage en tryptique tel qu’on ne s’attendrait pas à le trouver dans un livre de Doisneau.

Ce projet avorté en cette époque lointaine recèle donc une part de mystère mais aussi d’originalité. Avec ses textes pointus et les images relativement atypiques de Doisneau, l’ouvrage permet de mieux comprendre une région à travers une phase délicate d’un passé qui fut, depuis 1945, parfois difficilement assumé dans tous ses aspects. Et c’est aussi la complexité et les visages plus contemporains de l’identité alsacienne qui s’en trouvent éclairés. Une réédition bienvenue.

(*) Robert Doisneau. Un voyage en Alsace 1945. Textes de Vladimir Vasak avec le concours d’Anka Wessang. Editions Flammarion, 136 pages, 170×220 mm, 100 illustrations, broché, 15 €. Sortie le 5 mai 2021.

Deux expositions Doisneau

Pour la réouverture tant attendue de nos lieux culturels, une exposition Robert Doisneau se tiendra à partir du 19 mai au Château de Sully-sur-Loire sur le thème « La Loire, journal d’un voyage », avec un catalogue enrichissant (images et textes) édité par Baluze.

Et puisqu’un bonheur ne vient jamais seul et que les beaux jours reviennent « Allons voir la mer avec Doisneau », une exposition autour du livre édité par Glénat, s’ouvrira en ce mois de mai 2021 (se renseigner pour confirmation) au Musée maritime de La Rochelle.

La photo de voyage en 52 défis

© Editions Eyrolles

Un nouveau guide pratique sort de presse aux Editions Eyrolles dans la collection des 52 défis. Il est conçu pour inciter ses lecteurs à faire preuve de créativité en matière de photographie de voyage. Une façon de garder la flamme des projets en attendant de pouvoir à nouveau nous déplacer où et comme nous le souhaitons.

Comme pour la photo de nature et les autres ouvrages de cette série, ce petit livre (*) se présente comme un cahier d’exercices et un journal personnel en même temps qu’un manuel d’inspiration.

Des lumières de la ville aux lieux de culte, des moyens de transport aux vêtements et costumes des populations en passant par l’architecture urbaine et les fêtes locales, ce ne sont pas les sujets qui manquent au voyageur-photographe. Ce guide couvre donc un vaste champ thématique en proposant pour chaque double page et en quelques mots – c’est le principe de la collection – des suggestions techniques et quelques astuces ainsi qu’une image illustrant le défi.

Comment, par exemple, créer une petite série d’images pour rendre justice à une scène tel le travail d’un artisan. Un challenge essentiel en voyage: comment revisiter la carte postale et sortir des sentiers battus en cherchant une composition originale devant un monument célèbre comme la Tour Eiffel.

Produire une série qui fonctionne bien (défi 13) et trouver son fil conducteur dans un récit de voyage est particulièrement formateur et évitera de photographier partout, tout le temps et n’importe comment. Dans l’esprit de l’auteur-photographe Anthony Zacharias, chacun de ces défis doit nous encourager à « réfléchir un peu plus sur l’endroit » où nous sommes et sur « ce qui le rend unique, » habitants, sites ou même odeurs.

Ce guide destiné à un large public ne surprendra sans doute pas le photographe aguerri et ses conseils s’avèreront naturellement valables pour d’autres thèmes. Ceci vaudra notamment pour ce qui à trait à la composition et au mouvement, aux relations avec les sujets croisés en voyage ou à des moments du jour comme ceux qui suivent l’aube ou précèdent le crépuscule.

La photo de voyage, genre très pratiqué et très partagé par le biais du livre comme des réseaux sociaux, révèlera toujours des surprises et sera toujours une mine d’or pour le praticien, d’autant qu’il se fixera de nouveaux défis. « Il y a tant d’occasions nouvelles qui se présentent à nous », rappelle l’auteur. Ce sera d’autant plus vrai quand un méchant virus sera vaincu. Vivement demain.

(*) 52 défis. Photo de voyage. Anthony Zacharias. Adapté de l’anglais par Franck Mee. Editions Eyrolles. 128 pages, broché, 15×21,5 cm; 12,90 €

Photographies colorisées : un livre pour remonter le temps

Nos albums de famille sont des trésors dont seront privés nos descendants du fait des nouveaux procédés mais surtout des mauvaises habitudes contemporaines. Ils nous font voir le passé sans ses couleurs de même que l’histoire de la photographie et notre représentation mentale de ce qu’elle nous montre font percevoir en noir et blanc la vie d’autrefois. Les pionniers de la photographie ont pourtant recherché la colorisation dès les origines. Thomas Sutton prit une photographie selon la méthode à trois couleurs dès 1861. La plaque autochrome des frères Lumière, premier procédé photographiqe en couleurs, fut mise au point en 1903 et le premier brevet date de 1912. En raison de sa complexité, de son coût et de ses imperfections, la photo en couleur ne s’imposera toutefois pas avant longtemps. Il faudra attendre la deuxième moitié du siècle passé pour assister à la « démocratisation » de la pellicule couleur.

© Editions Glénat

Comme pour le cinéma, la colorisation des photos anciennes n’est pas toujours bien acceptée mais les logiciels contemporains, quand ils sont judicieusement employés par des passionnés, peuvent nous offrir de véritables révélations dans tous les sens du terme. Wolfgang « Chris » Wild, créateur du site Retronaut, est un curateur d’images historiques à l’ère digitale. Il s’est associé avec le coloriste Jordan J. Lloyd pour un ouvrage dont la version française éditée chez Glénat (*) rassemble un choix de 130 photographies présentées dans un ordre chronologique décroissant, comme une machine à remonter le temps.

La plus récente de ces images date de 1949 (elle est l’oeuvre du jeune Stanley Kubrick, alors apprenti photographe pour le magazine Look) et la plus ancienne de 1839 (le premier autoportrait photographique). L’émerveillement joue dès la couverture du livre montrant le monoplan de l’aviateur Louis Blériot s’envolant de Calais pour sa traversée de la Manche un matin de juillet 1909.

Si la plupart de ces images ne sont pas l’oeuvre de grands noms de la photographie, certaines sont célèbres : on découvre ainsi, non sans émotion, une image en couleurs de la Migrant Mother de Dorothea Lange. Une photo mythique de Lewis Hine documentant en 1920 le travail d’un mécanicien sur une machine à vapeur conserve son message social en acquérant une dimension esthétique. En suivant le cours du temps surgit plus loin du passé et de la gare Montparnasse la locomotive à vapeur tirant ses wagons qui s’écrasa au pied de la façade de l’ancien bâtiment le 22 octobre 1895 : un accident spectaculaire qui ne causera miraculeusement qu’un seul décès.

Le River Boat Jazz Band d’Art Rhodes en promotion pour un concert à Times Square, New York, juillet 1947.
© Photographie de William Gottlieb/Bibliothèque du Congrès. © Glénat

L’édification de la colonne Nelson saisie par Henry Fox Talbot à Trafalgar Square en 1844 manque forcément de définition mais les portraits en couleurs d’anciens combattants des guerres napoléoniennes posant aux alentours de 1858 dans leurs uniformes aux couleurs chatoyantes sont très saisissants de même que le portrait du jeune bandit Jesse James armé de son Colt. On découvre encore la Tour Eiffel, le Tower Bridge de Londres ou le Golden Gate de San Francisco en phase de construction. On pénètre dans l’atelier du sculpteur Bartholdi dans lequel des ouvriers bâtissent la statue de la Liberté. Des images surprennent comme celle de l’iceberg qui causa la perte du Titanic, prise depuis le navire qui vogua au secours du paquebot le 14 avril 1912. Une très bonne photo, qu’on n’imaginerait qu’en monochrome, restitue les couleurs saturées de l’intérieur d’une grotte de glace en Antartique lors de l’expédition du capitaine Scott en 1911.

Le livre permet de découvrir des scènes de rue ou de la vie quotidienne, des images montrant l’évolution des techniques ou des transports, ce qui réserve des surprises comme cette jeune femme rechargeant son automobile électrique… en 1912. Il y a des images de paix et quelques événements dramatiques comme l’incendie d’un dirigeable, des scènes de guerre ou la pendaison des conspirateurs de l’assassinat du Président Lincoln. Il y a des portraits façon carte postale comme celui du couple vieillissant des ennemis devenus amis Buffalo Bill et Sitting Bull ou encore une plaque de ce même Abraham Lincoln imberbe à l’âge de 37 ans. Un cliché franchement suprenant aussi: un vendeur égyptien somnolant à côté de ses momies en 1875.

Juin 1944. Le soldat Ware applique un camouflage de dernière minute au soldat Plaudo.
Base aéronavale d’Exeter, Devon Royaume-Uni.
© Archives nationales américaines/Glénat

A chaque fois, la précision du travail de colorisation emporte l’adhésion. Les détails et textures sont bien là et le rendu des couleurs sonne véritablement juste, fruit d’une recherche qui fut parfois très longue et d’une collecte d’informations scrupuleusement vérifiées. Le gage de la réussite est alors que les couleurs ne nous interpellent plus: nous ne sommes pas devant un théâtre des illusions mais simplement devant la vie dans tout son réalisme. L’équilibre entre images et textes est lui aussi judicieux, qui sépare la description et les explications historiques des indications sur la façon de faire pour chaque image.

De même qu’il nous est donné aujourd’hui de visionner de merveilleux petits films montrant une réalité colorée des grandes villes sans l’allure saccadée jusqu’ici associée à la Belle Epoque, ces images minutieusement restaurées et colorisées ravissent et font reculer les limites du voyage dans le temps.  

(*) Quand le passé reprend vie en couleurs. Photographies colorisées du monde de 1839 à 1949. Wolfgang Wild et Jordan J. Lloyd. Editions Glénat. Collection Histoire. 25,1 x 28,7 cm, 240 pages, 39,95 €.

La photo de nature en 52 défis

© Editions Eyrolles

Bon nombre de photographes amateurs ont recours, pour exercer leur créativité ou simplement se (re)motiver à faire des images, au procédé qui consiste à relever chaque semaine un défi. Des groupes se constituent ainsi sur internet, faisant office d’auxiliaires pour sortir de sa zone de confort ou trouver l’inspiration quand elle vient à manquer.

Les Editions Eyrolles ont déjà publié plusieurs livres dans cette veine, qu’ils couvrent un large éventail de thèmes ou qu’ils soient destinés plus spécifiquement aux adeptes de la street photography, d’Instagram ou encore d’une photographie plus expérimentale.

Un nouvel ouvrage à petit prix vient de sortir de presse, qui s’adresse aux amoureux de nature et de la vie sauvage (*). Ce livre se veut « un atelier photographique par écrit » et pourra vous guider, quel que soit votre niveau d’expérience.

Chaque défi est succinctement présenté sur deux pages illustrées avec de courts paragraphes de conseils et suggestions pour une pratique avisée de la photographie naturaliste. Les projets se déclinent, en passant de son propre jardin et des habitats parfois insoupçonnés qu’il peut contenir aux tuyaux pour construire un affût basique permettant de se fondre dans la nature. On aborde la manière d’approcher les habitants du fond des bois ou les créatures nocturnes comme la façon d’injecter une touche de mystère dans les photos de brume ou de saisir des silhouettes spectaculaires. Comment observer les animaux dans les conditions de leur milieu, saisir des gros plans et peut-être faire oeuvre utile en sensibilisant aux enjeux de l’environnement.

Nul besoin, bien sûr, de suivre tous ces défis dans l’ordre ni de s’assigner pendant toute une année une tâche rigoureusement hebdomadaire. Le principe du livre est d’y puiser une idée ou une technique selon les situations, les sujets et les envies du moment; ceci permettra d’ailleurs de se départir du calendrier suivi par les groupes mentionnés plus haut. L’ouvrage contient des espaces libres pour y consigner des observations, des succès ou des échecs. Un tableau de bord qui deviendra peut-être un journal photographique. Et qui débouchera sur la véritable finalité du photographe, un dernier défi et non le moindre: montrer son travail!

(*) 52 défis. Photo de nature. Ross Hoddinott et Ben Hall. Adapté de l’anglais par Franck Mée. Editions Eyrolles. 128 pages, broché. 12,90 €.