Michael Freeman: les photos que les autres ne voient pas

Photographe et auteur très prolifique pleinement reconnu dans le milieu, Michael Freeman continue de livrer ses clés et ses recettes pour la pratique de la photographie. Son dernier ouvrage, édité chez Eyrolles (*), repose sur le concept d’accès photographique — comment accéder au sujet pour « photographier ce que les autres ne voient pas ».  

Ce livre considère comme acquis le fait que les compétences du photographe sont suffisantes pour prendre une image correcte. Freeman, qui nous a déjà donné des livres plus riches (**), s’adresse ici à ceux qui cherchent « le petit quelque chose en plus » en énumérant une série d’approches pour garantir cet accès, de la simple autorisation de se rendre dans tel ou tel endroit jusqu’à la compréhension du sujet. Notre auteur collectionne ce faisant pas mal d’évidences mais illustre son propos par des images puisées dans ses archives ou chez une trentaine de photographes dans tous les genres de la photographie.

© Editions Eyrolles

Ne pas compter sur la chance ou le hasard pour être au bon endroit au bon moment. Mieux vaut avoir une longueur d’avance — c’est l’exemple fameux de Weegee, archétype du photo-reporter arrivé le premier sur les lieux du crime car branché sur la fréquence radio de la police new-yorkaise. Pas donné à tout le monde ? Il existe aujourd’hui des applications telles Photo Pills permettant de connaître la position du soleil, de la lune ou de la voie lactée en tel ou tel lieu. Tout comme peut s’avérer payant le simple fait de revenir toujours aux mêmes endroits et d’avoir, par exemple comme Bob Mazzer, une fascination pour le métro, ce qui lui a valu de prendre la photographie figurant sur la couverture de cet ouvrage.

Comment avoir le bon contact avec son sujet ? S’offrir un guide n’est pas à la portée de tous mais il peut être plus facile de s’inscrire à un atelier photo en choisissant soigneusement son point de chute. On tirera profit des connaissances et du travail fait en amont par un photographe expérimenté. En matière de photographie documentaire, l’acceptation vaudra mieux encore que l’accès. « Lorsque vous êtes accepté, les gens vous offrent vos images. mes meilleurs clichés m’ont été offerts, je ne les ai pas vraiment capturés« , nous dit William Albert Allard. L’immersion pour produire ses effets suppose la confiance, qui se mérite, et l’observation : admettons donc de passer d’abord du temps à …ne pas photographier.

On peut discuter l’assertion de Freeman quand il fait peu de cas de la « muse » mais comment ne pas le rejoindre sur le fait que l’attente de l’inspiration ne peut servir d’excuse pour ne pas travailler et qu’il faut laisser le projet guider la prise de vue ? Le livre incite, autre évidence, à creuser les spécificités du sujet. Avis aux amateurs tentés de monter leur petit commerce : la photographie culinaire exige une expertise en cuisine autant que la maîtrise de la lumière. La règle vaudra aussi, on s’en doutait, dans les domaines de la photographie de mode ou animalière (à moins que vous soyez disposé à vous faire dévorer par un lion). La clé du succès peut-être : créer son propre domaine comme Howard Schatz, qui fit de la photographie d’humains sous l’eau sa spécialité.

En concluant ce livre un peu fourre-tout par la question de la créativité, Freeman cite les conseils de ses pairs, lesquels varient naturellement dans leur approche. Faut-il laisser délibérément de côté la quête de la perfection et le fameux « instant décisif »? Cultiver l’ambiguïté en tant qu' »essence même de la photographie » (Joël Meyerowitz)? Ou encore explorer son identité en plaçant son propre corps et son propre visage au centre du projet (Cindy Sherman)? L’exemple, comme le suggérait un magazine photo, vaut souvent mieux que la leçon. Voir ce qu’ont fait les autres d’abord, pour ensuite définir sa propre méthode et se trouver soi-même.

(*) Photographier ce que les autres ne voient pas. Michael Freeman. Editions Eyrolles. En librairie depuis le 22 octobre. 160 pages, cartonné. 19,90€

(**) On recommandera notamment chez le même éditeur, Capturer la lumière et Capturer l’instant.

Les règles d’or des maîtres de la photo : connaître et puis choisir

© Editions Dunod

Apprendre les règles, celles de la composition notamment, fait partie du parcours de tout photographe amateur désireux de tirer le meilleur de son outil, quand bien même les règles sont faites pour être brisées. Et puis il y a les conseils (étudier les images des grands noms de la photographie), les préceptes déjà lus / entendus ou non, et ceux auxquels nous n’aurions simplement pas pensé.

Déja auteur de la brique 1001 photographies qu’il faut avoir vues dans sa vie, Paul Lowe, photographe et enseignant au London College of Communication, a consigné dans un ouvrage au format pratique (*) quelque 200 de ces idées et suggestions. On retrouve mais on dépasse aussi les figures imposées car Lowe ouvre le champ et convoque à l’appui les grands de la photographie (de Jacques-Henri Lartigue à Annie Leibovitz, de Cartier-Bresson à Martin Parr, d’Edward Stechen à Sebastiao Salgado) à côté de nombreux praticiens contemporains.

Chaque « règle » — parfois bien connue ou de bon sens (rapprochez-vous; soyez patient) mais parfois aussi plus rare ou plus précieuse (ne touchez pas votre modèle) — est traitée sur une ou deux pages avec une illustration et quelques paragraphes explicitant le propos. C’est clair et cela constitue au final une bonne synthèse si on accepte de prendre ce livre pour ce qu’il est et de s’en imprégner à son rythme. L’ouvrage admet son caractère fortement sélectif mais s’attache à couvrir tout le champ du processus photographique à travers trois parties. La première aborde les fondamentaux de la production d’images avec des considérations techniques et esthétiques sur la prise de vue, la deuxième traite de la démarche artistique et du rapport de l’artiste avec le monde et ses projets, tandis que la troisième se penche sur la façon de vivre de son travail.

On passe de l’enseignement d’une image iconique à une leçon (N’effacez pas) basée sur l’expérience d’un professionnel. Celle-ci vient d’un photographe qui a pu retrouver dans ses archives une photo un brin datée (la stagiaire Monica Lewinsky embrassant le Président Clinton lors d’une réception) qui trouvait désormais tout son prix après la révélation d’une certaine affaire. Des recommandations répertoriées dans l’ouvrage sont, par ailleurs, parfaitement contraires à d’autres : rien d’étonnant à cela, tous les photographes n’ayant pas la même approche.

Telles qu’énoncées en haut de page, quelques prescriptions peuvent à priori relever de l’évidence ou de la banalité (Trouvez un sujet qui vous convient, Restez curieux) mais l’essentiel n’est pas là car chaque texte ici est l’occasion pour le lecteur d’une véritable petite méditation sur sa pratique. D’autres incitants s’adressent davantage à la personnalité du photographe (Découvrez qui vous êtes, Appuyez vous sur vos convictions). C’est dire que l’ensemble est un peu fourre-tout mais aussi plutôt dense et qu’il faut ne faut pas hésiter à y picorer ça et là, à l’envie.

L’appareil photo est votre passeport pour découvrir ce monde, et la photographie le témoin de l’expérience que vous en tirerez et de l’interprétation que vous en ferez.

Paul Lowe

Découvrir les premières pages de l’ouvrage, sur le site des Editions Dunod : https://www.dunod.com/sites/default/files/atoms/files/Feuilletage_688.pd

(*) Les 200 règles d’or des maîtres de la photographie. Paul Lowe. Traduit de l’anglais par Philippe Escartin. Editions Dunod. Broché. 240 pages. 22€

Créer des images fortes avec les questions de David duChemin

La période de contraintes que nous continuons de traverser en tant que photographes est aussi l’occasion de prendre du recul par rapport à notre travail et de nous interroger: « Est-ce une bonne photo? » ou encore « Est-elle réussie ou ratée »? Mais est-ce la bonne question?

© Editions Eyrolles

Dans son nouveau livre dont la version française vient de paraître chez Eyrolles (*), David duChemin, photographe canadien spécialisé dans l’humanitaire et la photo de voyage, dépasse ou plutôt remplace cette question pour nous renvoyer vers des interrogations plus larges sur le but recherché et vers des interpellations précises à propos de la lumière et de la couleur, de la direction des lignes ou du poids des formes.

Les formations comme les livres du Canadien anglophone ne visent pas à expliquer comment produire des images où l’exposition et la mise au point seront correctes. S’il n’incite jamais à négliger ou à court-circuiter le processus d’apprentissage, duChemin se situe clairement au-delà, voire plus haut, au risque assumé, dit-il, de se prendre les pieds dans ses idées.

Maîtriser son art est nécessaire mais non suffisant : cela ne crée pas forcément une bonne photo.

– David duChemin

Ce livre-ci passe donc en revue les éléments de langage visuel qui nous font réagir à une image et les moyens d’utiliser ces outils pour faire des photos qui seront véritablement nôtres et trouveront leur source dans notre « for intérieur ». Avec un leitmotiv : seul le photographe pourra décider du meilleur moyen d’ « exprimer son sujet » – entendez le message de la photo. Mais ne nous y trompons pas : duChemin n’entend pas défendre une forme de « chacun pour soi » en photographie. Il plaide seulement, avec éloquence, pour que le photographe cherche au plus profond de lui ce qu’il souhaite traduire.

L’ouvrage déroule alors ses questions et les choix que nous pouvons faire pour traduire notre intention. Que fait la lumière et que puis-je faire avec elle? Le but recherché sera-t-il mieux rencontré si le sujet est sous- ou sur-exposé? Qu’apporte la couleur? Renforce-t-elle ou non l’attention et l’ambiance recherchée? N’est-elle pas une distraction inutile ou masquant l’intention du photographe ? Où est le contraste et à quoi sert-il?

Certains feront sans doute valoir que le photographe n’a pas toujours le temps de réfléchir et que nos logiciels permettent après tout de rendre des rouges plus intenses, un vert plus jaune ou plus bleu ou de remplacer une couleur. De bonnes questions peuvent d’ailleurs être posées non seulement avant ou pendant la prise de vue mais aussi au stade de l’édition, de la post-production ou de la sélection des images. Mais il n’y aura pas ou peu de remèdes à un instant raté ou il faudra peut être compter sur le hasard pour telle ou telle scène captée sans anticipation.

Les illustrations qui émaillent l’ouvrage, en couleurs comme en noir et blanc et provenant des voyages de duChemin, sont là, elles aussi, pour nous interroger : à quoi servent ici les lignes, le choix du monochrome, le flou, les perspectives ou l’instant de la prise de vue? Qu’est ce qui fait que cette photo est « forte »?

Les photographes, constate duChemin, n’abordent pas toutes ces interrogations avec le même enthousisme que leurs discussions techniques sur les boîtiers et les objectifs. En posant ces/ses questions, il nous incite à effectuer nos choix en fonction de ce que nous sommes pour trouver de la sorte notre style. Son livre ne parle pas de prescriptions mais de possibilités. Et de toutes les questions qu’il pose (il y en a une multitude, plus ou moins essentielles) la plus importante, celle qui les résume toutes est bien: ce travail est-il vraiment le mien? Car l’honnêteté est le meilleur gage de l’authenticité et donc le meilleur moyen de faire des photos qui résonneront peut-être chez les autres.

Devenir un photographe intuitif suppose souvent une longue pratique. Se poser les bonnes questions, celles de David duChemin, nous aidera à le devenir tout en expérimentant et en nous faisant plaisir.

Il n’y a pas de devoir en art: il n’y a que des possibilités

– David duChemin

David duChemin © davidduchemin.com

David duChemin, qui continue de parcourir les continents à la recherche d’aventures et de beauté, ne cesse lui-même de s’interroger et de partager sur son site (en anglais) ses réflexions sur le processus créatif et l’inspiration. Les Editions Eyrolles ont déjà publié ou republié ces dernières années en versions françaises L’âme du photographe et L’âme d’une image. Destinés à nous guider, ses ouvrages sont aussi de véritables « essais » sur l’art photographique et son apport dans notre façon de voir le monde.

(*) Au coeur de la photographie. Les questions essentielles à se poser pour créer des images fortes. David duChemin. Adapté de l’anglais par Frank Mée. Editions Eyrolles. 312 pages, parution le 17/09/2020.

Composition et couleur en photo: le livre-référence d’Harald Mante

C’est une nouvelle réédition bienvenue que nous proposent les Editions Eyrolles. S’appuyant sur ses longues années d’enseignement et sa pratique indépendante de la photographie, Harald Mante nous livre une version entièrement remaniée de son ouvrage-référence (*).

© Editions Eyrolles

Fondé sur la conviction d’un lien très fort entre la couleur et la composition, illustré de 300 nouvelles images, ce livre est le produit des recherches d’un penseur du médium photographique et nous ramène aux fondements de notre pratique. Il est l’oeuvre d’un homme né à Berlin en 1936 qui commença par étudier les arts graphiques avec les héritiers directs du Bauhaus dont il transposa les enseignements au domaine de la photographie.

C’est avec cette approche méthodique et didactique, des schémas très parlants et une iconographie superbe que Mante passe en revue les éléments de composition et la couleur en tant que moyens d’expression artistique. Il décrypte ainsi le rôle du point, de la ligne et des formes visuelles et analyse la symbolique des éléments de composition — cercle, ovale, triangle, carré, rectangle. Il introduit parfois des notions plus « cérébrales » telles le plan originel (surface matérielle portant le contenu de l’oeuvre) et son effet visuel.

Mante passe alors en revue le rôle des contrastes et des effets de couleurs dans l’image. Outre les couleurs primaires, secondaires et tertiaires, il fait appel à des notions comme la couleur réelle (composition chimique et pigments) et la couleur apparente (à l’observation; fonction de facteurs externes). La séparation définie ou indéfinie des couleurs, leurs accords et leur harmonie sont autants d’éléments pour stimuler les perceptions sensorielles de l’observateur.

Connaître la grammaire de l’art permettra à la fois de juger des images de manière éclairée et de produire des images de qualité.

Harald Mante

Nous aurons avec le professeur Mante tous les atouts en mains ou plutôt en tête pour le choix du format et la division en surfaces mais aussi tout simplement pour mieux créer et mieux évaluer nos propres images et celles des autres. C’est dire que ce livre s’adresse au photographe autant qu’à l’amateur ou au critique.

Nous sommes à l’école peut-être mais à l’école du regard. Et si le respect des règles et des lignes directrices ne peut devenir une fin en soi — Mante en convient naturellement — ce classique de la littérature sur la photo nous éclaire sur les fondamentaux qui doivent imprégner notre esprit si ce n’est notre inconscient. Ce qui permet de s’investir pleinement dans la prise de vue ou le plaisir de regarder de bonnes photos.

(*) La photo. Composition et couleur. Harald Mante. Editions Eyrolles. Nouvelle édition entièrement remaniée. 168 pages, 28 €.

Pourquoi je resterai fidèle à Olympus

En cet été tout particulier d’une année toute particulière, un fabricant d’appareils auquel je suis tout particulièrement attaché a donc annoncé la vente de sa division photographie. Selon son communiqué, Olympus se sépare de sa branche “Imaging”, reprise par Japan Industrial Partners (JIP), un fonds de capital-investissement dont les intentions seront précisées dans les mois à venir. 

Les raisons de cette décision, qu’elles tiennent à l’évolution du marché de l’industrie photographique ou aux spécificités d’Olympus et de sa gestion jugée parfois malheureuse, ont été abondamment commentées. L’amateur-détenteur de produits Olympus reste pour sa part dans l’expectative. La gestion de la marque et l’avenir de la ligne de production seront désormais dans d’autres mains, suspectes aux yeux de certains.

Au-delà des assurances d’usage à l’égard des consommateurs, certains signaux peuvent pourtant paraître rassurants : de nouveaux produits sont déjà annoncés. Une nomenclature bien connue — la gamme OM-D, le séduisant boîtier PEN et les objectifs M.Zuiko – est appelée à survivre, s’il faut en croire Setsuya Kataoka, le VP de la branche stratégique d’Olympus Imaging Division (interview à DPreview, 15 juillet 2020). L’accent sera vraisemblablement placé sur le haut de gamme et la valorisation des spécificités de l’héritage Olympus dont la stabilisation. Rien n’interdit de penser que de nouvelles technologies d’imagerie seront incorporées par le biais d’accords de licence avec d’autres développeurs, ce qui réduirait l’investissement propre dans la R&D.

©Roland Deglain. Olympus EM-10, Olympus M.14-150mm

L’hybride et la gamme OMD d’Olympus m’ont convaincu. Dois-je patienter deux ou trois ans pour y voir plus clair dans les intentions de JIP ? Ou bien dois-je, dès à présent — mon avenir de photographe sera bien plus court que mon passé — changer résolument mon fusil d’épaule ? Mais quel serait alors le sens d’un tel revirement au moment où mes vieilles épaules précisément se réjouissent de ne plus devoir systématiquement porter un matériel réflex pour une balade qui m’offrira peut-être l’occasion de saisir les paysages qui m’interpellent ? Des questions se posent certes sur l’avenir de la marque mais c’est toute l’industrie photographique qui continuera d’évoluer. Cette évolution, même inéluctable, ne fera pas de moi un autre photographe. Et bien malin celui qui peut dire aujourd’hui quel sera dans dix ans le rapport de force entre les marques ni même lesquelles de ces marques seront toujours là dans une dizaine d’années.

©Roland Deglain. Olympus EM-10, Olympus M.14-150mm

Je photographie depuis l’enfance et je m’étonne régulièrement de trouver dans ces photos d’enfance — celles que je dois à mon premier appareil, un Kodak Brownie Starflash – certaines attirances pour des sujets ou encore des compositions, même maladroites, qui sont encore les miennes aujourd’hui. C’est cela et non mon matériel qui a déterminé mon style de photographe, qui fonde ma pratique et qui doit dicter mes envies. Compte tenu de mes moyens financiers, qui restent limités — la photo reste et restera une passion et non un moyen d’existence, je continuerai donc d’utiliser mes appareils et mes objectifs Olympus en essayant d’en tirer le meilleur parti. Je ne vais pas me préoccuper outre mesure de ce qui est et de ce qui restera hors de mon contrôle. Je n’ouvrirai pas mon portefeuille ni des yeux béats d’admiration pour des capteurs de 80 Mpx, une prise en rafale à 20 i/s ou la vidéo en 8K. Mais j’ouvrirai les yeux dans mes balades de photographe, en espérant que parfois je les ouvrirai avec des yeux d’artiste.

Cela peut paraître prétentieux mais c’est pour cela que je photographie. Je ne m’équipe pas pour reproduire en miroir et au-delà même de ce que peut percevoir l’oeil humain ce qui se trouve devant mon objectif. Je photographie pour partager mes émotions, mon interprétation de la réalité et pour en garder le souvenir. Mon appareil m’aide à traduire ce que je ressens et c’est à moi qu’il advient de trouver, en artisan et avec les atouts de mon outil, par l’éclairage, la mise au point ou le choix des couleurs, la meilleure façon de transmettre mon ressenti.

C’est cela qui m’importe et ce n’est pas un communiqué qui doit guider mes choix. Je n’ai pas de raison de changer. Je resterai fidèle au photographe que je suis; je resterai fidèle à Olympus. 

Comment monter son portfolio : le livre qui nous manquait

Sylvie Hugues et Jean-Christophe Béchet ont longtemps porté avec compétence et talent le magazine Réponses-Photo avant d’en être remerciés il y a quelques années par l’éditeur Mondadori pour « divergences stratégiques sur le contenu éditorial ». Tous deux practiciens et experts, ils ont depuis poursuivi leur route dans le monde de la photographie, l’une comme consultante et animatrice d’ateliers et de conférences, l’autre en déclinant son travail sur divers supports, auteur entre autres de nombreuses publications et animateur lui aussi de workshops. Leurs chemins se recroisent aujourd’hui pour nous offrir, aux Editions Eyrolles, un ouvrage réellement utile et bien conçu (*), qui se distingue des nombreux manuels destinés à nous guider dans la pratique de la phototographie.

Issu de l’époque argentique, le concept de « portfolio photographique » reste d’application à l’ère du numérique, par exemple à travers les « lectures de portolios » telles que dispensées par les auteurs. Il peut servir à l’amateur désireux de franchir une étape et d’obtenir un regard extérieur sur son travail : une simple chemise cartonnée contenant quelques images et deux textes imprimés sur feuilles volantes fut ainsi le détonateur de l’aventure vécue après sa retraite professionnelle par le merveilleux Gilbert Garcin. Outil intermédiaire pour un projet d’exposition, de livre ou de projection, le portfolio peut même être un objet définitif, destiné par exemple aux collectionneurs sans exclure une autre finalité comme le simple cadeau ou la mémoire familiale.

Sylvie Hugues et Jean-Christophe Béchet s’adressent ici autant aux jeunes professionnels qu’aux amateurs et aux passionnés soucieux de valoriser leur réalisations. Ils commencent par une remise en perspective avant de dresser une typolologie des portfolios possibles, en insistant sur le fait que toute présentation dépend naturellement du propos du photographe et du genre pratiqué. Les conseils dispensés portent sur l’editing, sur les papiers photo à choisir pour présenter un projet achevé ou en cours, sur la construction matérielle du portfolio et sur l’opportunité ou non d’un texte accompagnant les images. Un projet documentaire ou de reportage ne se conçoit pas comme un projet purement esthétique dans le domaine de la photo de nu et ne s’adresse pas aux mêmes interlocuteurs.

Les auteurs s’appuyent sur leurs propres expériences mais ont l’intelligence de solliciter d’autres experts et spécialistes dans le champ photographique pour multiplier les approches et permettre au lecteur-photographe de trouver le ou les profils qui lui correspondront le mieux. Les témoignages rapportés de part et d’autre sur les lectures de portfolios éclairent sur les attentes et bénéfices mais aussi sur les limites et les frustrations possibles de l’exercice, lequel n’est pas à prendre à la légère et n’est pas sans risque. Une lecture de portfolio revient parfois, pour le photographe, à véritablement « se mettre à nu » et la sincérité est le meilleur gage d’une rencontre enrichissante.

Ce livre écrit à quatre mains ne se contente pas d’être pratique mais permet également de nourrir une réflexion sur son travail et son regard photographique. Car, il est bon de s’en souvenir avec notre duo, le tirage est un passage essentiel et l’aboutissement de l’acte photographique. « Une photographie n’existe réellement que si elle a été choisie, retenue, sélectionnée, peaufinée, imprimée, rangée, stockée et … retrouvée quand on la cherche ». C’est bien dans cette optique de traduire concrètement une passion photographique que se situe le portfolio. Sylvie Hugues et Jean-Christophe Béchet nous convainquent qu’il a toute sa place dans nos parcours photographiques, par nature jalonnés d’hésitations, de doutes et de satisfactions.

Suivez sur leurs sites respectifs Sylvie Hugues et Jean-Christophe Béchet.

(*) Concevoir un portfolio de photographie, Sylvie Hugues, Jean-Christophe Béchet, Editions Eyrolles, 152 pages, broché, 25 €.

Photographier autrement : petit manuel pour trouver l’inspiration

Nombreux sont les photographes, amateurs ou autres, préoccupés par un souci de renouvellement ou d’inspiration. Quoi de plus naturel à l’heure où presque tout est instantanément transformé en image, quelle que soit la destination ou la durée de vie de celle-ci ? Les livres de photographes confirmés comme les manuels pratiques font office de pourvoyeurs d’idées et nous peuvent nous porter vers d’autres approches de la pratique. Edité par les Editions Pyramyd dans une collection qui propose déjà le même outil pour d’autres techniques artistiques telles le dessin ou l’aquarelle, un nouveau petit livre invite à photographier autrement.

© Editions Pyramyd
Photo de couverture © Florian Pérennès

Dans Le petit livre des grandes inspirations (*), Lorna Yabsley a rassemblé des dizaines de pistes pour nourrir l’inspiration du photographe. Illustré d’images puisées chez ses collègues en photographie contemporaine plutôt que chez les grands maîtres (Bill Brandt, Man Ray, René Burri et Martin Parr sont cependant cités), cet ouvrage recense des dizaines d’idées, de techniques ou même de styles (le minimalisme).

Cela va du simple changement de perspective et de propositions franchement banales (recadrer, aller vers des inconnus) ou souvent efficaces (la juxtaposition, les filtres) au recours à l’infrarouge ou à l’éclairage théâtral. Certaines techniques s’adressent au spectateur (jouer avec la réalité), d’autres sont carrément originales comme le freelensing (retirer l’objectif pour le tenir devant l’appareil) utilisé pour ce portrait très rapproché en couverture de l’ouvrage.

Chaque proposition fait l’objet de courts paragraphes et l’ensemble mélange allègrement les pistes, entre les thèmes (les jumeaux), les conseils (concentrez vous sur la couleur) et les techniques. Ces dernières peuvent être classiques (le sténopé) ou plutôt utilisées en photographie contemporaine, certaines – comme l’appropriation – étant même discutables, l’autrice en convient. Mais peu importe la source de l’inspiration si ce manuel souple et très bon marché vous permet de trouver de nouvelles voies, de relancer votre créativité ou de vous procurer d’autres émerveillements.

Ce petit livre est la version française d’un ouvrage édité l’an passé au Royaume-Uni. Yorna Yabsley, installée dans le Devon, poursuit depuis plus de trente ans une activité photographique aux multiples facettes. Elle est active dans le domaine commercial ou social, dispense des formations et des consultations et a écrit plusieurs livres sur la photographie. Plus d’infos sur son site.

(*) Photographie. Le petit livre des grandes inspirations. 176 pages illustrées. Editions Pyramyd. 12,90 €. A paraître le 5 mars 2020

L’âme du photographe : réédition d’un classique

© Editions Eyrolles

David duChemin est un photographe canadien spécialisé dans l’humanitaire. Les Editions Eyrolles, qui avaient publié l’an passé L’âme d’une image, ont la bonne idée de faire paraître, pour le 10è anniversaire de l’ouvrage original, un livre antérieur, L’âme du photographe (*). L’homme de Vancouver y exposait déjà une pensée féconde sur l’esprit de sa pratique photographique.

Comme L’âme d’une image, ce livre-ci traite de la vision du photographe, thème cher à David duChemin qui n’écrit pas ou pas beaucoup sur le comment mais surtout sur le pourquoi. En sachant bien entendu que la meilleure vision ne sert à rien sans les moyens de l’exprimer, son propos, résumé dans la préface de l’ouvrage, est sans équivoque: « L’équipement c’est bien, la vision c’est mieux ». Sa vision à lui, grand voyageur au nom prédestiné, est délibérément mondiale: il aime les lieux, les gens et les cultures « qui n’ont pas été absorbées par l’affrayante homogénéité de l’Occident ». Ce photographe qui emprunte parfois les accents d’un philosophe ou d’un moraliste considère la vision comme un voyage, non comme un but en soi, puisque notre vision évolue naturellement au gré de nos expériences et de nos influences.

Le deuxième leitmotiv du professeur duChemin, tel qu’il s’emploie à le transmettre dans ses formations et ses livres, est d’insuffler de l’émotion dans ses/nos photos. D’où le besoin pour le photographe de bien comprendre les chemins qu’empruntent les émotions — le sourire passe par les yeux plutôt que par la bouche. « Dans un monde qui crée et partage des milliards d’images tous les jours », écrit duChemin, « ce sont celles qui comportent une part de sensibilité et qui provoquent nos émotions qui auront un impact. » On ne demande qu’à le croire. Il suggère que photographier les gens et les lieux fait appel à un mode de pensée similaire: il ne s’agit pas de faire (on dit bien faire et non prendre) une photo de quelqu’un ou d’un lieu mais bien à propos de ou au sujet de. Autrement dit, l’image ne sera pas le fait d’un prédateur mais d’un interprète.

Photographier les lieux comme les personnes, c’est un effort pour révéler à l’extérieur ce qui se trouve à l’intérieur – David duChemin

Notre auteur, on le comprend, aime les mots et ne cesse à travers son site et son blog de partager sa sagesse et sa réflexion sur son art. Il admet abuser du mot vision. Ne croyez pas cependant que ce livre, illustré d’images fortes en couleurs comme en monochrome et ramenées des voyages du photographe, est fait seulement d’éloquence et de sagesse. David duChemin propose aussi des exercices créatifs, traite concrètement de la narration photographique et des moyens de diriger l’oeil du spectateur de nos images. Il partage ses techniques d’approche pour le portrait et les rencontres dans les autres cultures. Il nous dit toute l’importance du respect, la nécessité de s’informer avant immersion pour avoir conscience des tabous et du comportement attendu. Ce photographe intéressé par les expressions de la foi prend le temps de savoir avant d’aller voir ailleurs. La connaissance et le véritable contact humain, qui n’implique pas forcément le partage de la langue, nourrit l’empathie et fait la beauté de ses images.

Cet ouvrage, dont le titre original est Within the frame, se fonde aussi sur l’idée que le cadre est l’élément déterminant à la prise de vue (que voulons-nous y inclure, que faut-il rejeter?). Si vous entendez réfléchir au sens de votre pratique photographique et souhaitez exprimer par elle autre chose que « je suis là » ou « j’étais là », ce livre vous parlera et vous aidera à nourrir votre propre vision pour l’inscrire A l’intérieur du cadre.

(*) L’âme du photographe, Edition 10è anniversaire. David duChemin. Editions Eyrolles. 304 pages, 26€. Ce livre est une édition entièrement retraduite et ramaquetée de l’ouvrage paru en France en 2009 aux éditions Pearson.

Le style du photographe : un discours de la méthode

©Editions Eyrolles

Le style c’est le ou la photographe, son identité visuelle, ce qui le ou la distingue de ses pairs. La marque d’une esthétique caractérise la photographie artistique. Pour vous guider dans la recherche de votre style, les Editions Eyrolles publient dans la collection Secrets de photographes un nouvel ouvrage de Denis Dubesset (*), un photographe professionnel soucieux de transmettre ce qu’il a acquis depuis dix ans.

Le livre insiste sur l’importance de l’intention dans la démarche du photographe. Il s’agit bien au départ de déterminer ce que nous avons envie de photographier. Documentariste, provocateur, humoriste, contemplatif : quel est le projet ? Viendront ensuite le ou les sujet(s), et puis tout le reste : la mise en scène, la composition, les partis pris, la lumière, l’editing et la phase de traitement.

Denis Dubesset s’attache d’abord à montrer l’évolution de son propre style. Sa propre esthétique le situe clairement dans une veine contemplative, ce qui n’est pas pour nous déplaire, mais c’est la méthode, le parcours à suivre, qui importent ici. Le pédagogue Dubesset pousse à expérimenter.

Pour aider son lecteur dans la recherche et l’affinement de son style, l’auteur lui suggère d’imiter quelques photographes connus, en payant d’exemple(s). Si l’une ou l’autre image typique des illustres modèles aurait utilement éclairé les moins avertis, la proposition de faire des images « à la manière de » s’appuie sur une brochette inspirante et variée (Saul Leiter, Michael Kenna, Raymond Depardon, Martin Parr, les Becher…). Le but est de vous inciter à vous définir ou à vous positionner par rapport aux maîtres mais sans vous figer dans l’imitation.

Le chapitre suivant passe alors à la pratique en guidant le photographe en quête de style dans une phase de tests appliqués à la photo de paysage, à l’urbex, aux perspectives, à la photo sous la pluie, etc. A l’intention de ceux qui restent peu à l’aise devant la technique, des annexes rappellent brièvement les fondamentaux de la prise de vue et livrent quelques pistes pour l’acquisition du matériel.   

Le fait d’imprimer une signature graphique résolument typique sur ses photographies n’est pas toujours essentiel, bien entendu — un travail de commande devra d’abord répondre à l’attente du client. Et le style, en photographie comme dans d’autres disciplines artistiques, ne saurait être définitivement figé. Comme toujours, les contraintes seront utiles à celui ou celle qui saura les dépasser, éviter la redite et l’enfermement.

Comment trouver son propre style? Pas de meilleure façon sans doute de répondre à la question qu’avec cette formule que l’auteur de l’ouvrage entendit tomber « comme un cadeau » de la bouche de Joël Meyerowitz. Interrogé lors d’une séance de dédicaces à Paris-Photo, Meyerowitz lâcha : « It’s all about your soul/Tout tourne autour de ton âme ». Autrement dit, « Chercher son identité graphique, c’est partir à la rencontre de soi-même », nous dit ce livre. Ce voyage-là vaudra toujours la peine.

(*) Les secrets du style en photographie. Denis Dubesset. Editions Eyrolles, broché, 108 pages, 23€

Trouver l’inspiration dans les techniques créatives : un manuel pour oublier votre smartphone.

©Editions Pyramyd

Le titre, « Manuel moderne de photographie », est sans doute quelque peu abusif et ne reflète  pas précisément le contenu de l’ouvrage publié dans sa version française par les éditions Pyramyd (*), spécialisées dans les ouvrages consacrés à la création, au graphisme et à la communication visuelle. Il s’agit en réalité, comme l’indique une pastille bien plus explicite, de découvrir ou de redécouvrir des techniques de photographie créative.

Pour sortir de l’éphémère et des réflexes « clique, ajoute un filtre, publie », ce petit livre qui se veut « une véritable déclaration d’amour à l’art photographique » nous présente en effet 58 sources d’inspiration pour créer des images originales ou poétiques. Chaque idée fait l’objet d’une  présentation claire et aérée sur une double page — une page-photo illustrant le résultat; une page de texte expliquant le procédé utilisé par l’auteur(e). Cela va des procédés classiques tels l’exposition multiple, le bon vieux sténopé ou la photographie d’un paysage à partir d’un train en marche à des techniques plus originales : comment créer des effets spéciaux, par exemple à base de vapeur, revisiter de vieilles photos avec du fil et une aiguille, dessiner avec la lumière ou encore créer l’illusion de sujets en trois dimensions.

Certains procédés se révéleront amusants (créer un petit théâtre d’ombres) ou ingénieux (créer de l’art botanique avec une boîte lumineuse). D’autres nous ont paru — à chacun d’en décider — d’un intérêt peut-être plus douteux (abîmer ses photos), voire un peu vain (créer du flou à l’aide d’un tourne-disque ou …verser du sang dans du lait pour produire une image abstraite; vraiment ?).  Quelques propositions cherchent volontairement la complication : faire, par exemple, le choix de l’argentique là où un logiciel permettrait un travail plus facile et plus économique, certes moins digne d’admiration devant la prouesse de la réalisation. Seule importe en définitive la satisfaction devant l’effet produit. Le pouvoir de la photo, rappelle Natalia Price-Cabrera dans son introduction, est infini. Comment ne pas la suivre sur ce point?

Ce qui frappe ici plutôt et nous interpelle, c’est le retour en somme très fréquent vers les anciennes techniques pour retrouver la magie de « l’ancien monde » photographique. Utiliser les procédés historiques n’est plus synonyme de ringardise, comme le prouve l’artiste argentine Gisela Arnaiz Fassi qui reprend le procédé du cyanotype, procédé mis au point en 1842 pour obtenir un tirage bleu de prusse. La recherche d’une atmosphère vintage va jusqu’à utiliser un APN pour prendre une photo à travers le verre de visée d’un appareil ancien ne fonctionnant même plus afin d’obtenir la poussière, les griffes ou les éraflures qui donneront du caractère aux photos.

Au fait, s’agit-il toujours de photographie ? Difficile de le nier puisque cet ouvrage, parsemé de quelques fiches techniques sur des moyens qui ne sont pas toujours des plus contemporains, se clôt en définitive sur… le daguerréotype.

(*) Manuel moderne de photographie. Natalia Price-Cabrera. Editions Pyramyd. 14,95 €
Mise en vente : 02/05/2019. Livre souple, avec rabats – 144 pages, 17 x 17 cm